Blue Daisy « The Sunday Gift » – Black Acre 2011  

Vous avez aimé Massive Attack, Tricky et Burial ? Foncez !
Un premier album assez impressionnant. Post dubstep ? Trip-hop ? Downtempo ? je ne sais pas, je ne sais ni.
Ce disque est le fruit du travail d’un producteur londonien : des nappes de claviers, des voix rêveuses, de l’electro-psyché, un voyage intersidéral cotonneux, des titres qui prennent de plus en plus d’ampleur. Un disque d’impressions brumeuses, de sensations.  
Kwesi Darko alias Blue Daisy a invité quelques voix à participer à cet album. Anneka, vocaliste qu’on rencontre dans la sphère dubstep chez Vex’D, Ital Tek ou Faltydl.  Heidi Vogel qui accompagne aussi le Cinematic Orchestra, Hey! Zeus le rappeur anglais et Sac.
Un disque profond et lourd servi par une basse dub, et une batterie à la frontière de l’indus. Quel mélange !

Sandro Perri « Impossible Spaces » - Constellation 2011

Musicien et producteur canadien de Toronto, il débute sa carrière en produisant des disques d’electro ambient sous le pseudonyme de Polmo Polpo, entre  2002 et 2005  il sort trois albums. A partir de 2006, il se présente sous son propre nom, il commence par retravailler des titres de Polmo Polpo en version acoustique, l’année suivante il sortira de nouvelles compositions avec « Tiny Mirrors » un album folk. Durant toutes ces années il jouera aussi avec Great Lake Swimmers ou Woodpigeon.   
Avec « Impossible Spaces » propose un nouveau changement. Perri change à nouveau quelque peu la donne en sortant un  disque semi-acoustique aux constructions musicales plus complexes et aux influences plus éclatées, il nous confronte à d’autres univers musicaux. Il fait intervenir des instruments peu entendus dans les disques pop- rock – folk et les met bien en avant, comme la clarinette basse, la flûte ou l’euphonium (cuivre à piston – sorte de tuba).  Ses variantes de jeux de guitare nous font aller de la folk aux musiques latinos en passant par quelques accents jazzy.  « Love & Light » avec son petit accent latin venu de la guitare et des percussions, « How Will I ? » et ses fioritures douceâtres venues de la flûte et des synthés, la très belle ballade offerte avec « Futureactive Kid » et sa clarinette basse. Tout au long de l’album il mélange les genres et s’offre beaucoup de libertés. Il survole tout ça de sa voix très modulée qui campe plutôt dans les notes aigües .
L’ensemble forme un bel album bien équilibré de chansons pop baroques aux ambiances douces-amères.
Il est publié par le label canadien Constellation.

The Chap « We Are The Best » – LO Recordings 2001-2011  

Quintet international – chaque membre vient d’un pays d’Europe différent – implanté au nord de Londres fondé en 2000. Ils pratiquent une pop foutraque parfois épique, il y règne un parfum de punk, de funk sous couvert d’electro pop-rock.   Le groupe est composé de Keith Duncan (batterie), Panos Ghikas (basse, guitare, violon, laptop), Claire Hope (melodica, claviers), Berit Immig (claviers), Johannes von Weizsäcker (guitare, cello, laptop) et tout le monde chante.
Ils ont sorti cinq albums qui tous sont montés sur ressorts, il y règne une ambiance de douce folie, une joie débridée. Ils sont doués pour trouver le petit son, le gimmick qui donnera du peps et de la personnalité à leurs compos. Ils ne se refusent aucun délire pour enrichir leurs arrangements.
Malgré tout ce que je vous raconte, le groupe « continue de rester » dans l’ombre.
Et c’est franchement dommage. Si vous ne les connaissez pas, cette compile couvrant leurs dix ans d’activité vous permettra de rattraper le coup. Quatorze titres piqués dans leurs précédentes parutions et un titre inédit : « Campaingn Trail ».
Une pop chaleureuse, qui fout la pêche et donne envie de donner la main au marsupilami et de faire des petits bonds. Pop anti-ride.

Bonnes découvertes

Brigitte

 PS : Merci à Fabonthemoon pour ses photos

Vendredi 3 février à 19h30 – Passage 44, Boulevard du Jardin Botanique 44 – 1000 Bruxelles

Accès gratuit, réservation souhaitée sur passage44@lamediatheque.be ou au 02 218 44 27

Hanni El Khatib « Will The Guns Come Out » – Innovative Leisure Records 2011

Né de mère philippine et de père palestinien, Hanni El Khatib est installé en Californie. En 2011, il se fait remarquer en sortant  ce premier album de rock garage ultravitaminé.
Un disque dont les racines sont bien implantées dans l’Amérique des 50’s et du rock’n’roll.
Le duo guitare – chant / batterie fait mouche. Bien que la plupart des titres soient écrits par El Khalib, il inclut quelques standarts dont le magnifique « Heartbreak Hotel » popularisé par Elvis ou  « You Rascal You » interprété anciennement par Louis Armstrong ou Cab Calloway et plus récemment par Gainsbourg en version reggae.
Ce format guitare – batterie se répand de plus en plus, et là où les White Stripes sont de plus en plus démonstratifs, le projet de Hanni El Khatib brille justement par une sobriété de moyens et de notes. Quelques ballades comme « Wait Wait Wait » nous offrent une petite aire de repos, mais déjà sur la fin de « Garbage City » le titre suivant, on repart vers une musique plus physique.
Un album de rock épidermique. Hanni El Khatib qui gravitait dans la sphère du skateboard a très bien réussi sa reconversion.

Psychic Ills « Hazed Dream » – Sacred Bones 2011

Trio new-yorkais fondé en2003. A ce jour ils ont sorti trois albums dont une compile, des twelve inches et une cassette.
Le groupe est composé de Elisabeth Hart à la basse, Brian Tamborello à la batterie et de Tres Warren aux différentes guitares, voix, synthés.
Contrairement aux albums précédents, Hazed Dream est un album lascif, un disque de détente totale, de la musique qui vous emmène dans un voyage spacio-temporel.
On navigue à la fois dans l’air du temps puisque nous avons là du psyché avec des accents shoegaze (genre revenu en force dernièrement). Mais on est aussi plongé dans le passé tellement ils sont vrais, labellisés d’origine.
Une voix traînante qui murmure, une guitare acoustique électrifiée et puis des effets, des échos des pédales, du synthé. Un album aux ambiances embrumées mais dont la trame pop-rock est bien apparente. Pour vous donner des repaires : imaginez la rencontre de Spiritualized et du Velvet et vous aurez une petite idée.
Ce  quatrième album est signé sur Sacred Bones, un très intéressant label new-yorkais né en 2007 qui est à la tête d’une cinquantaine de publications dont la majeure partie est présentée en vinyle. Les pochettes et les clips sont réalisés par des graphistes et réalisateurs maison. Les médias ont toujours une présentation très soignée, et leur choix de publication est fondé sur des coups de cœur. Raison pour laquelle on peut leur faire confiance.

Wolfgang Voigt « Kafkatrax » - Profan Compact 2011

Qui est Wolfgang Voigt ?
Un artiste allemand aux alias multiples, dont les  plus connus sont Gas et Studio 1. Il est également co-fondateur du label electro-minimal Kompakt. Il a déjà sorti plusieurs disques sous son propre nom.
« Kafkatracks » est un album d’art techno basé sur les voix. Des onomatopées, des petits bouts de phrases en allemand, des mots mis en boucle à l’infini, il les superpose, les repasse à l’envers, les passe par des filtres. Au fur et à mesure les voix démultipliées qui répètent ces mots sans cesse de manière absurde nous entraînent dans un monde étrange de transe. Il pose tout ça sur des structures techno répétitives au beat lent mais bien marqué, des rythmiques binaires, des claviers cheap qui font aussi penser aux musiques de John Carpenter.
Les onze « Kafkatrax » ne portent pas de titre, simplement un numéro. Le Kafkatrax 2.1 me fait méchamment penser à un mix entre DAF et John Carpenter. D’ailleurs n’est ce pas une cover ?  Ce titre m’obsède.
Cet album est étonnant, voire même dansant par moments.

Un autre disque dans la même veine : Byetone « Symeta » – Raster-Noton
Troisième album d’Olaf Bender alias Byetone (encore un Allemand) . Electro minimale parfois inquiétante parfois plus enlevée avec un beat régulier qui suggère quasi une techno ondulante. Certains titres sont d’un registre plutôt ambient. Nous avons donc ici un excellent disque varié paru sur le label Raster-Noton  (Alva.Noto) dont il est le principal graphiste
Vous m’en direz des nouvelles.

Bonnes découvertes

Brigitte

PS : merci à Fabonthemoon pour la photo

Nous voici enfin arrivé avec la dernière série de chouchoux qui clôture l’année 2011. Le continent africain est surreprésenté, d’accord, mais je n’allais pas me priver et vous ne le regretterez pas. Ensuite, on fera un bref passage en Europe, plus précisément en Belgique,  pour terminer en Asie avec une cerise en guise de point final.

C’est vrai que je vous ai déjà parlé du label Sublime Fréquencies, mais pas encore d’Olivia Wyatt. Photographe et réalisatrice, elle réalise ici un objet que je ne peux que vous recommander.

Staring into the sun - Olivia Wyatt

Résultat d’un voyage de 13 mois qu’elle réalisa en 2009 en Éthiopie, ce livre cd est composé d’une série de polaroïds, un cd et un dvd qui tous trois nous donnent à voir et entendre des enregistrements réalisés lors de processions rituelles ou de mariages tribaux dans treize villages, ainsi que des clips télévisés. Même si on peut lui reprocher un côté un peu trop esthétisant à certain moment, cela reste léger et n’enlève rien à l’ensemble. A découvrir absolument!

BLNRB (BerLin-NaiRoBi), sorti sur le label OutHere record cette année, est le résultat du projet initié en 2009 par les frères Techmann, duo techno berlinois, et le Goethe Institut de Nairobi. L’idée est de faire se rencontrer des artistes berlinois de la scène électro tels que les frères Techman eux-même ainsi que Modeselektor et Jahcoozi et des artistes kényans de la scène hip-hop tels que Ukoo Flani, Necessary Noize, Nazizi, Mc Abbas, Mc Kimya, Mc Lon’Jon et le trio electro-house Just a band, plus quelques musiciens traditionnels. Le résultat de ce travail qui aura duré 3 ans nous donne un album hybride qui mêle électro, hip-hop, dub et reggae. À écouter absolument!

Encore un label à suivre. Depuis 2004 No Format! nous propose des projets originaux et non formatés ce qui donne un catalogue assez éclectique. Des collaborations comme celle de Ballaké Sissoko et Vincent Segal ou Lansiné Kouyaté et David Neerman, à des artistes tels que Gonzales ou Mamani Keïta. Gagner l’argent français est son troisième album, le deuxième arrangé par Nicolas Repac. On peut y entendre des riffs de guitares rock et autres nappes de synthé ainsi que des samplings aux côtés d’instruments traditionnels mandingues tels la kora et le ‘ngoni, mais aussi une clarinette klezmer, un luth chinois et des cordes classiques. Tout ceci peut effrayer et donner un apriori de confusion, mais rien de tout ça, cet album très personnel et très pertinent nous donne à suivre Mamani Keita dans ce qu’elle a à nous dire en toute cohérence.

Souvenez-vous de la voix de Karaba la sorcière dans Kirikou. On a depuis pu entendre Fatoumata Diawara dans divers projets avec diverses collaborations telles dans Afrocubism qui réunissait les musiciens de Buena Vista Social Club et des musiciens d’Afrique de l’Ouest ou encore sur Imagine Project de Herbie Hancock. La voici avec son album, Fatou. Inspirée des traditions mandingues et peuls, Fatoumata Diawara nous donne à écouter des ballades que l’on pourrait qualifier de folk malien, dans lesquelles elle n’hésite pas à aborder des sujets tels que le mariage forcé ou l’excision avec une force tranquille et en toute sérénité.

Enregistré principalement en acoustique sous le ciel étoilé du Sahara dans le Tassili N’Ajjer, le dernier album de Tinariwen n’est que du bonheur pour les oreilles. C’est pour renouer avec l’inspiration originelle que le groupe est parti dans le massif montagneux du sud-est algérien planter son studio-tente mobile. Tassili nous offre un ensemble de chants traditionnels remaniés, d’anciens morceaux et nouvelles compositions, le tout capté au milieu de l’immensité des sables et des roches sous les étoiles. Petite particularité supplémentaire pour cet album, ils ont invité Tunde Adebimpe et Kyp Malone, les chanteur et guitariste de TV On The Radio, à les rejoindre dans le désert afin de collaborer à l’enregistrement et d’y apporter une petite touche pop. Voici un aperçu du décors, des sonorités et des ambiances…

Et plus rapidement, voici une bonne compilation du label Vampi Soul, HighLife Time 2, la deuxième comme son nom l’indique. On y retrouve des grands classiques du Highlife et du palm wine music du Ghana et du Nigéria. Pour en savoir plus je vous invite à consulter le site de Vampi Soul qui en parle plus longuement.

Formé en 1959, le Western Jazz Band est composé de musiciens originaires du Tanganyika, devenu depuis la Tanzanie. Le terme Jazz ne désignant pas le style comme on pourrait s’y attendre, mais fut appliqué à toutes les musiques modernes pendant des décennies en Afrique. Musicalement, nous somme plutôt dans une musique pour soirée et pour danser, avec des guitares et des cuivres. Cette compilation nous donne à découvrir des enregistrements de 1973 à 1975, une période pendant laquelle leurs singles connurent un franc succès à travers toute l’Afrique.

Accordion Samuraï c’est la réunion de cinq excités du piano à bretelles qui ont pour habitudes d’allumer les salles et les bals, notre compatriote Didier Laloy, l’italien Ricardo Tesi, l’irlandais David Munnelly, le français Bruno Le Tron et Markku Lepisto pour la Finlande. Une rencontre détonante des différents styles et traditions qui vous feront tanguer, danser, valser… à découvrir!

Voici un nouvel album qui est la finalisation d’un spectacle comme l’avait été Blindnote. Ce projet-ci est celui de l’accordéoniste Didier Laloy. Accompagné de ses fidèles compagnons la violoncelliste Kathy Adam, le pianiste et guitariste Pascal Chardome ainsi que le percussionniste Frédéric Malempré, ils convient le public à les suivre dans le noir… juste le son sans l’image. Le voyage sera riche si vous acceptez de vous laissez porter et emporter.

On connaissait déjà Dengue Fever , voici The Cambodian Space Project. Formé en 2009 par le guitariste australien Julien Poulson et la chanteuse khmère  Srey Thy,  la formation s’agrandi rapidement, musiciens cambodgiens, franco-cambodgiens et français. Basé à Phnom Penh, ils écument les scènes les plus retirées du pays et passent les frontières. Ils revisitent de vielles chansons khmères, essentiellement des classiques de Pan Ros ou Ros Sereysothe, mises aux oubliettes suite à la triste période des khmers rouges et les réinterprètent en mode rock’n’roll parfois un peu psyché, avec une touche exotique parfois à la limite du kitsch. À découvrir !

Les 78 tours ont la cote ! Que ce soit chez Honest Jon’s avec la série London is the place for me ou Give me love entre autre, ou chez  Dust to Digital avec Black mirror, Take me to the water et prochainement Opika pende pour ne citer qu’eux, la réédition des galettes rencontre son publique. Cette fois c’est au tour du label Tompkins Square. Ce n’est pas la première pour eux non plus, après Bloody War: Songs 1924-1939, voici To What Strange Place. Issu de la collection d’un passionné de musique, Ian Nagoski, The Music of the Ottoman-American Diaspora (suite du titre), nous offre une sélection de disques ottomans, d’immigrants arméniens, grecs et turcs de traditions juives , chrétiennes ou musulmanes, enregistrés pour la plupart à New York entre 1916 et 1929. Et voici un petit film de présentation de l’objet par Ian Nagoski him self…

Et voilà notre point final que j’ai envie de mettre dans la catégorie des fruits confits, la cerise qu’on garde pour la fin et qu’on fait durer le plus longtemps possible. Profitez en et à bientôt.

Anne Lecomte

Love meatender un doc réalisé par Manu Coeman

Bœuf, porc, mouton ou volaille, J’ai toujours aimé la viande, bien saignante de préférence. Un repas sans viande est-ce  d’ailleurs vraiment un bon repas ?

Je m’attendais en empruntant ce dvd, à un documentaire très moralisateur qui prônerait un végétarisme à outrance, le genre à vouloir vous imposer le régime carottes-salade sept jours sur sept.

Il s’avère que ce film est une très bonne analyse de nos comportements en tant que « carnivores » et surtout de notre rapport à l’animal. On y parle entre-autres, de la relation sacrée entre l’éleveur et la bête dans les cultures traditionnelles.

Le doc fait le tour des risques que la surconsommation de viande fait courir a notre planète. Destruction de la forêt amazonienne à des fins d’élevage intensif par exemple.

Il fait également un historique du contenu de nos assiettes et explique comment l’autonomie des exploitations rurales traditionnelles a basculé vers un élevage industriel intensif condamnant à l’extermination les productions locales.

Le film propose aussi des solutions toutes simples, à la portée de chaque consommateur, par exemple : un jour sans viande par semaine…

Une très bonne approche intelligente de la question et des pistes pour s’en sortir sans spécialement devenir végétarien extrémiste.

Solutions locales pour un désordre global

Coline Serreau fait, dans ce documentaire, le point sur les destructions causées par l’exploitation agricole intensive et industrielle. Le film analyse également la question de savoir, comment on en est arrivé là, en remontant le cours de l’histoire et ce, jusqu’à la première guerre mondiale.

Une version « légumes » de Love meatender en quelques sortes.

Les arguments développés dans ce film, pour faire comprendre la nécessité imminente de changer radicalement les politiques agricoles de par le monde, sont terriblement convaincants. Les discours sont empreints de beaucoup de philosophie, de  réflexion et de bon sens. Il en ressort un sens très aigu de l’analyse du comportement humain dans toute sa « splendeur ».  De plus, tous les intervenants sont agronomes, agriculteurs expérimentés ou biologistes spécialisés. Il y a dans ce film, de par les explications données par les agronomes, une approche très scientifique  et didactique qui nous fait comprendre la différence qu’il y a entre une terre morte et une terre vivante.

Je n’en dirai donc pas plus pour vous inciter à regarder ce film. A vos écrans, et ensuite…A vos potagers !

Eddy Maes

Détails et disponibilité:

Love meatender, un film de Manu Coeman.

Solutions locales pour un désordre global, un film de Coline Serreau.

Les films mettant en scène la notion de vengeance sont légion en Corée du Sud. Souvenez-vous de la trilogie de la vengeance réalisée par Chan-wook Park : Sympathy for Mr vengeance (2002), Old boy (2003), Lady vengeance (2005) – trois films dont le thème principale est, comme vous l’aurez deviné, la vengeance… ou encore Bad guy de Kim ki-Duk dans lequel un homme, humilié par une jeune fille en pleine rue, décide de l’obliger à se prostituer ; A bittersweet life de Ji-wun Kim, l’histoire d’un règlement de compte entre le bras droit d’un chef de gang et celui-ci…

En me penchant sur l’histoire du cinéma coréen, j’apprends que l’un des premiers films réalisé en Corée (alors sous domination japonaise) porte le titre La Juste revanche (Kim Do, 1919). Il ne s’agit donc pas d’une coïncidence. Et donc, I saw the devil / J’ai rencontré le diable vient s’ajouter à la longue liste des films de vengeance. Aussi sordide que Old boy, ce film de Jee-Woon Kim raconte comment un jeune homme venant de perdre sa compagne, va se venger contre le meurtrier de celle-ci. C’est la maman de Benoît Poelvoorde qui le dit dans C’est arrivé près de chez vous : “Et je te garantis bien que moi y’aurait pas de tribunaux, y’aurait pas d’juges, je ferai la justice moi-même” et c’est exactement ce qu’il se passe dans I saw the devil. Le réalisateur pousse le vice de la vengeance à son extrême puisque notre protagoniste retrouve le meurtrier de sa petite amie environ 20 minutes après le début du film… qui dure près de 2h30. Au lieu d’en finir avec ce serial killer, il le blesse et s’amuse ensuite à le poursuivre. Le meurtrier se transforme en victime, le justicier en psychopathe et le spectateur en petit animal effrayé et dégouté qui essaye de rentrer dans son fauteuil… bon, j’exagère un peu mais le film fonctionne très bien. I saw the devil a fait grand bruit dans son pays d’origine et a vu sa sortie postposée plusieurs fois, contraignant le réalisateur à supprimer des scènes trop violentes, avant sa sortie en salle. On se dit alors qu’on a échappé au pire…

Brigitte Segers

Pour connaître la disponibilité de l’un ou l’autre des média, cliquez sur la vignette correspondante.

Bach & Beethoven – Contrapunctus XI, Quatuor op. 132 & sonate pour violoncelle op. 5 N°1

Christian Tetzlaff et sa soeur Tanja se retrouvent ici réunis au sein d’un quatuor dans le cadre de la saison 2010 du Festival Spannung (tension) organisé à la station hydro-électrique de Heimbach. Le bâtiment ” Jugendstil “, construit en 1904 au cœur de l’Eifel allemand, abrite depuis 1998 l’événement annuel dont le nom ” Spannung “, faisant écho à l’électricité produite sur place, est censé également donner le ton de la musique programmée. Celle-ci, du baroque à l’époque contemporaine, confronte les répertoires connu et inconnu, en interrogeant certains parallélismes qui, précisément, peuvent être ressentis comme des tensions. C’est dans cet esprit de résolution des distances que le présent enregistrement explore l’énigmatique lien entre l’Art de la Fugue de Bach et la musique de chambre de Beethoven, notamment au travers d’une approche de la polyphonie où l’on retrouverait leur intérêt commun pour la musique de Palestrina. Le parti pris de renoncer au vibrato, contribuant ainsi à faire ressortir les structures polyphoniques, confère à l’enregistrement un son original que l’excellente prise de son en live ne vient en rien desservir. (JL)

Anne-Catherine Gillet - Barber, Berlioz et Britten

Issues du recueil “Comédies de la mort”(1838) de Théophile Gautier, les paroles des 6 mélodies des Nuits d’été sont de la main d’un seul écrivain. A l’instar des cycles de Fauré, une grande cohérence est à remarquer entre écriture et composition musicale, sorte d’alliance parfaite entre poème et chant.A l’origine composées pour piano et voix (mezzo soprano ou ténor), les Nuits d’été d’Hector Berlioz seront par la suite orchestrées pour un ensemble instrumental. L’orchestrateur génial qu’il est semble être responsable de l’oubli de cette version originale en donnant plus d’importance à la version orchestrale. Les “Riches Dernières Arrivées” dans les collections permettent d’épingler cette version pour soprano et orchestre: par son enthousiasme et son timbre lumineux, Anne-Catherine Gillet réussit le pari de joindre 3 chefs-d’œuvre bien distincts du répertoire chanté. A suivre, assurément….(MDW)

Les nuits d’été - Marie-Nicole Lemieux

Issues du recueil “Comédies de la mort”(1838) de Théophile Gautier, les paroles des 6 mélodies des Nuits d’été sont de la main d’un seul écrivain. A l’instar des cycles de Fauré, une grande cohérence est à remarquer entre écriture et composition musicale. A l’origine composées pour piano et voix (mezzo-soprano ou ténor), les 6 mélodies des Nuits d’été d’Hector Berlioz seront orchestrées pour un ensemble instrumental une quinzaine d’années plus tard. L’orchestrateur génial qu’il est semble être responsable de l’oubli de cette version originale en donnant tellement d’importance à l’orchestre. Les “Riches Dernières Arrivées” dans les collections permettent d’épingler cette version pour contralto et piano: Marie-Nicole Lemieux et Daniel Blumenthal proposent un travail épuré de l’œuvre. (MDW)

Joseph Jongen & César Franck – Hans Ryckelynck

Hans Ryckelynck a choisi deux pièces pour piano de César Franck faisant partie du répertoire courant. Il en donne une bonne lecture, oscillant entre rigueur et romantisme. Par contre, les 13 Préludes pour piano de Joseph Jongen sont plus rarement portés au disque et c’est dans ce répertoire que cet élève d’Abdel Rahman El Bacha donne le meilleur de lui-même. Lors de l’Exposition Universelle de 1900 à Paris, Jongen était entré en contact avec Fauré, d’Indy et d’autres musiciens en relation avec la Schola Cantorum et la Société Nationale. Mais l’influence la plus déterminante pour ces préludes est bien celle de Claude Debussy et de ses deux livres de préludes pour piano. L’écriture des Préludes opus 69 de Jongen est clairement impressionniste avec ses halos de notes enveloppant une ligne mélodique fugace. Le compositeur mêle à des descriptions, l’évocation de sentiments humains tels que l’angoisse ou la tendresse. Sans être un sommet du répertoire pianistique, ce recueil opus 69 s’écoute avec plaisir d’un bout à l’autre, reflétant l’humeur d’un compositeur n’étant plus confronté au doute. (AG)

Ebony Band – The Jazz Fever of Milhaud, Martinu, Seiber, Burian & Wolpe

La naissance du jazz dans la vie musicale aux Etats-Unis au début du XXème siècle a véritablement créé une onde de choc dans le monde occidental, et son incursion dans la musique européenne ne s’est pas fait attendre. C’est cette histoire que nous raconte l’Ebony Band à travers cinq œuvres de cinq compositeurs qui ont profité de l’opportunité d’un nouveau mode d’expression pour enrichir leur propre style. (NR)

August de Boeck – Concerto pour piano, Prélude et Suite d’Orchestre

Je ne suis jamais aussi contente que lorsqu’il m’est donné de parler de notre patrimoine national. August De Boeck fait partie des compositeurs qui ont marqué la jonction entre le 19ème et le 20ème siècle en Belgique. Il fut le témoin de cette fin de siècle si riche en bouleversements culturels au nombre desquels la naissance des Ecoles Nationales. C’est lui qui introduisit l’impressionnisme musical en Belgique. Né à Merchtem le 9 mai 1865, il étudia l’orgue au Conservatoire royal de Bruxelles dès 1880. Sa rencontre avec Paul Gilson (1865 -1942), autre compositeur de nos contrées, fut primordiale pour la carrière du compositeur. C’est en effet lui qui lui enseigna l’orchestration et qui lui donna l’impulsion nécessaire pour se lancer dans la composition. Fasciné par la musique vocale, De Boeck composa 5 opéras, des mélodies et des oeuvres vocales sacrées. Il ne fut pas de reste dans le domaine orchestral avec sa Symphonie en sol mineur, son Concerto pour violon, ses deux fantaisies et d’autres pages d’inspiration romantique. Grâce à cet enregistrement, nous découvrons le Concerto pour piano et orchestre en Do majeur rédigé à la demande de Pierre Hans (1886-1960), l’inventeur d’un piano à queue à deux claviers. On comprend d’emblée l’intérêt de l’organiste qu’était De Boeck pour cet instrument hors du commun qui n’eut pas de postérité mais pour lequel furent écrits quelques oeuvres. C’est Jozef de Beenhouwer qui retravailla la partition du concerto dans sa version originale afin de l’adapter au piano à queue traditionnel. Son interprétation est pleine de finesse et de sensibilité. A côté de cette page concertante figurent des extraits instrumentaux de deux opéras de De Boeck. Théroigne de Méricourt, écrit en 1900 est son premier opéra. Le Prélude du premier acte plonge l’auditeur dans une ambiance élégiaque dont le langage évoque celui d’Ernest Chausson, notamment. Cinquième et dernier opéra de De Boeck, La Route d’Emeraude a été créé en 1921 dans la version française et en 1933 dans la version néerlandophone intitulée alors Francesca. La Suite orchestrale que nous pouvons entendre sur ce disque a été réalisée par le compositeur Frits Celis à partir de divers éléments de l’opéra. Un élan romantique parcourt l’œuvre avec ça et là des tournures faisant penser aux Russes du Groupe des Cinq. Il ne vous reste plus qu’à découvrir ce petit trésor sonore. (AG)

Maurice Ravel -Musique de chambre pour violon

Dans ce récital consacré à la musique de chambre pour violon de Maurice Ravel, Sasha Rozhdestvensky nous livre une version de Tzigane dépouillée de toute vulgarité. Le ton est à la légèreté, la virtuosité est mise au service du dynamisme de la pièce. L’arrivée sur les trois accords du final est précédée d’une accélération vertigineuse qui se ressent physiquement. Oui, Tzigane peut encore surprendre l’auditeur. La Sonate en Sol pour violon et piano est vue avec le même souci de sobriété, ce que souhaitait le compositeur. Le premier mouvement, d’une exquise élégance, pourrait être plus charnu dans sa sonorité. Le contraste violent de tempo entre le Blues et le Perpetuum mobile surprend à nouveau et il faut bien la Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré et son atmosphère de tendresse pour nous remettre. Avec la Sonate pour violon et violoncelle, Ravel faisait un nouvel effort dans le dépouillement et la concision, ce qui lui sera reproché lors de la création de l’œuvre en 1922. La texture de cette sonate atteint la transparence ; le deuxième mouvement joue sur les ombres chinoises avec ses pizzicati. La virtuosité est présente ici autant dans l’écriture que dans l’interprétation. Le programme de cet enregistrement se termine par la Sonate posthume de 1897, œuvre influencé par la sonate de César Franck et celle de Gabriel Fauré. Maurice Ravel, avec son caractère minutieux et réservé aurait aimé cette interprétation des plus racées. (AG)

Contributeurs :

Au service des collections :

Nathalie Ronvaux (NR) ~ Anne Genette (AG) ~ Andrée Forster (AF) ~ Marie de Wautier (MDW)

Jacques Ledune (JL)

A le Média Bxl :

Françoise Vandenwouwer (FVW)

Philippe Cantaert (PC)

Charles Michiels, clarinettiste de l’ensemble Musiques Nouvelles, illustre par l’exemple l’étendue musicale de son instrument. Partant du répertoire classique pour aboutir au contemporain, il utilise ses différentes clarinettes selon les styles abordés et en explique les particularités. De la clarinette basse à la clarinette sopranino en passant par l’incontournable clarinette en si b, l’instrument vous sera dévoilé dans son intégralité avec humour, pédagogie et passion ! Rencontre présentée par Noël Godts.

Vendredi 20 janvier à 19h30 – Passage 44, Boulevard du Jardin Botanique 44 – 1000 Bruxelles

Accès gratuit, réservation souhaitée sur passage44@lamediatheque.be ou au 02 218 44 27

Distance oblige, nous recevons très peu de films australiens et l’on constate donc que ceux qui arrivent jusqu’en Europe sont généralement d’assez bonne qualité. Animal Kingdom confirme cette règle même s’il est totalement atypique par rapport à la production australienne qui franchi nos frontières : ici, point de beaux paysages filmés dans le désert montrant la beauté de ce pays, ni de scénario retraçant l’historique de sa civilisation. L’histoire d’Animal Kingdom, qui se déroule à Melbourne, et de nos jours, aurait pu être filmée dans n’importe quelle ville du monde entier.

Lorsque Joshua, encore mineur, se retrouve orphelin après que sa mère ait fait une overdose, il n’a pas d’autre choix que d’aller habiter chez sa grand-mère maternelle (Mamie Smurf comme tout le monde l’appelle). Mais Janine n’a rien de la mamie gâteau habituelle, bien qu’elle entretienne des liens extrêmement étroits avec ses fils, la famille Cody est ce que l’on appelle une famille de gangsters, très active sur Melbourne.

La mère de Joshua avait coupé les ponts avec sa famille pour protéger son fils de ce milieu. Le voilà maintenant complètement intégré au clan. De plus, le retour d’Oncle Pope, le plus instable de la bande, et le plus recherché, va profondément modifier l’entente au sein de cette fratrie… et tout faire déraper.

Traitrise, dénonciation, règlement de compte, Animal kingdom est bien plus qu’une simple histoire de criminalité, c’est une introspection sinueuse et malsaine dans la vie privée des Cody. Le film analyse posément les dysfonctionnements au sein du groupe déchiré par la peur, la traque et la trahison. Très peu de violence, une réelle descente aux enfers, puissante et magnifique. Le ton, résolument glauque offre une dimension supplémentaire à l’histoire. Un excellent film venu du bout du monde.

Brigitte Segers

ANIMAL KINGDOM de David MICHÔD

VO AN st.FR. Durée :108′.
PARADISO, 2010, Australie.

Giant Sand « Chore Of Enchantment » – Fire Records 2000

Groupe originaire de Tucson, Arizona  dont le premier album sortira en 1985. Il fut créé par le songwriter Howe Gelb qu’on trouve au chant, au piano et à la guitare. Le groupe est d’abord appelé The Giant Sandworms en référence aux créatures du livre Dune écrit par Frank Herbert.  Howe Gelb est le membre permanent du groupe qui a  souvent changé de personnel. Les claviers étaient tenus par Chris Cacavas qui venait de Green On Red,  la basse et la batterie ont été longtemps assurées par John Convertino et Joey Burns qui finiront par quitter le groupe pour former Calexico, Un autre groupe de new country, americana, nouveaux cowboys…. Appelez ça comme vous voulez.
Pour les 25 ans du groupe, Howe Gelb a fait rééditer tous les albums de la première période.

« Chore Of Enchantment »  est sorti en 2000. Cet album porte l’empreinte de Rainer Ptacek, songwriter-guitariste décédé deux ans plus tôt, Gelb avait été fortement marqué par ce décès. On peut d’ailleurs entendre l’artiste interpréter « Shrine » à la slide guitar.  Il rend également hommage à son ami en ponctuant  l’album de petits extraits des airs d’opéra favoris de Ptacek que Gelb a retrouvé sur de vieilles cassettes, sur « No Reply »  par exemple, il intègre un air de « L’elixir d’amour » de Donizetti qui s’enchaîne sur le magnifique et puissant « Satellite ».
A part Convertino et Burns qui ne font qu’une succincte apparition parce qu’ils sont de plus en plus accaparés par Calexico, on rencontre tout un tas de musiciens dont John Parish à la guitare et aux claviers, ou Juliana Hatfield au chant.
Giant Sand a été influencé par Neil Young, mais aussi par un certain Velvet Underground (mais qui ne l’a pas été ?) la proximité avec le phrasé de Lou Reed est parfois flagrante, un petit clin d’œil au jazz aussi avec « Wolfy ». La couleur dominante de cet album est country-folk. Un album qui a failli ne jamais sortir et qui est peut-être leur meilleur.
Voici des images d’archives consacrées à Rainer Ptacek.

J’en profite pour vous conseiller l’écoute de « The Inner Flame »  - Atlantic 1997 – Sachant son ami très malade et incapable de payer ses soins, Gelb avait organisé l’enregistrement d’un disque caritatif en son honneur en collaboration avec Robert Plant lui aussi grand admirateur de Ptacek.  Pj Harvey, Jonathan Richman Evan Dando….. les avaient rejoint sur ce très beau projet.

Son Lux « We Are Rising » – Anticon 2011

Deuxième album du new-yorkais Ryan Lott. Il l’a composé en un mois pour les besoins d’un concours radiophonique dont il est le lauréat. Ce n’est pas parce qu’il fut composé dans un temps record, que ce disque est bâclé loin de là.
Lott est de formation classique à la base, il a appris le piano, puis la guitare et la batterie et finalement s’est intéressé de près à l’utilisation des machines. « We Are Rising » est imbibé d’élans symphoniques, de cordes et de bois. Pour cela il s’est entouré de yMusic, un sextet de musique de chambre dont le champ d’action s’étend aussi dans la pop. Ils ont accompagné Bjork, Peter Gabriel ou The National.
Une pop épique composée avec des instruments bien réels faites de petites interventions instrumentales, de petits morceaux insérés les uns dans les autres comme les pièces d’un puzzle, cette structure mélodique est posée sur une nappe électro.
La partie vocale est soit assurée par lui-même soit par quelques invités comme DM Stith, Peter Silberman de The Antlers ou Shara Worden  de My Brightest Diamond pour n’en citer que trois.. Les voix ont une bonne place dans les compositions, elles y ajoutent une note angélique, une ambiance féérique qui ne tombe ni dans le kitsch ni dans le cliché celtique. Il ne lésine pas sur les moyens pourtant, on a droit aux clochettes et aux fifrelins.
Et en fin de compte on est plus sur le terrain pop-folk  des illuminés Flaming Lips  et Sufjan Stevens. Un disque qui mine de rien est beaucoup plus étonnant qu’il n’y parait. Edité sur le label Anticon.   

Gruf Rhys Supports Finders Keepers « Make Do & Mend / 04 »- Finders Keepers 2011

Une série de dix compilations « Make Do & Mend » (Faire avec et réparer) sont sorties cet automne dans le but de lever des fonds pour remplacer le stock perdu lors de l’incendie de l’entrepôt Sony provoqué par les émeutiers anglais au début du mois d’août.
Dans ces stocks se trouvaient entre autres les disques du label Finders Keepers créé par l’anglais Andy Votel dj producteur avec 2 ou 3 autres passionnés comme lui. Suivez ce lien pour lire son interview à ce propos.
Finders Keepers, un label dénicheur de raretés, d’ovnis musicaux. Son catalogue comprend principalement des musiques écrites et interprétées par d’obscurs musiciens dans les années 60-70. Des musiques issues des quatre coins du monde, Turquie, Hongrie, Pakistan…
Votel et sa bande de défricheurs remettent à jour des perles du passé dans des répertoires aussi variés que le « bubble gum folk », les bandes originales de films de vampires tchèques, des musiques de pub, de la pop galloise,  des musiques de ballets japonais…
La série est chapeautée par différents compilateurs comme Gruff Rhys (Super Fury Animals), Jarvis Cocker (Pulp) , Belle & Sebastian, David Holmes, Demdike Stare, Zola Jesus & Prefuse73 qui, chacun à leur tour nous font découvrir ces perles du passé selon leur propre sensibilité.
Je vous propose celle-ci en écoute mais l’une vaut l’autre. A tous les coups on y trouve son compte question découvertes.

Bonnes découvertes

Brigitte

PS : Merci à Fabonthemoon pour la photo.

Eilen Jewell nous revient avec un album groove à l’humour noir. Le résultat ne vous laissera pas indifférent, vous pourrez y entendre des ambiances des années 50 avec du rockabilly dans Queen of the minor key ou country dans Reckless ou encore plus jazzy dans I remember you, un saxophone des bas fonds dans Radio City et Kalimotxo. Le tout teinté d’humour noir. A écouter absolument et pour vous mettre l’eau à la bouche…

Je suis littéralement sous le charme de ce nouvel album de Gillian Welch. Huit ans après Soul journey,  voici the Harrow & the Harvest, un album de ballade folk et d’old time. En toute simplicité, la voix de Guillian Welch est accompagnée à la guitare par son complice de longue date David Rawlings, avec quelques touches de banjo et d’harmonica. The Harrow & the Harvest, qui traduit littéralement donne La Herse et la Moisson, nous invite à nous balader dans des tableaux de la campagne américaine. Personnellement, j’entends le bruissement du vent dans la barbe du blé et je sens l’odeur de terre et de paille de la moisson sous un soleil de plomb.

Passons à tout autre chose. Voici deux compilations de funk des Caraïbes (Trinidad, St-Vincent, Surinam…) des années 70, West Indies Funk. On peut y retrouver de temps à autre quelques sons des îles, mais certains morceaux sont franchement plus blaxploitation et en voici la démonstration.

C’est le deuxième album pour Chancha Via Circuito, alias Pedro Canale, un des artistes phares du label argentin ZZK Records (prononcez zizek). Zizek, c’est aussi un club de Buenos Aires qui fait la part belle aux nouvelles musiques électroniques du Hip Hop, Dancehall, Reggaeton, Cumbia, Bastard Pop, Mashup, etc… Inutile de vous dire que la boîte et le label sont étroitement liés. Et pour en revenir à l’album, Rio arriba, on peut y entendre de la cumbia digital mais aussi d’autres musiques du folklore traditionnel sud-américain, folklore auquel il applique le même traitement électronique avec un tempo assez lent. Ce disque crée des ambiances étonnamment assez planantes, je dis étonnamment parce lorsque que l’on parle de cumbia, on pense plutôt speed…

Fils du roi de la kora et co-fondateur de l’Ensemble national du Mali, Madou Sidiki Diabaté fait partie de la 71ème génération d’une des plus fabuleuses familles de griots et virtuoses de la kora. Je ne parlerai pas de toute la fratrie et cousins, mais je ne peux passer sous silence que c’est le plus jeune frère de Toumani Diabaté, koriste de renommée internationale.  Mariam est un album de kora solo dédié à Mariam Kouyaté, sa mère, elle-même grande griotte malienne. Pour info, son père fut le premier à sortir la kora de l’orchestre pour l’enregistrer en solo en 1971, pour l’album Ancient Strings. Si vous êtes friand de kora, cet opus vous plaira et si vous ne connaissez pas encore la kora ce sera une bonne entrée en matière.

Souvenez-vous, je vous avais présenté Rainy saison blues, dernier album de Lobi Traoré et dernière session d’enregistrement avant son décès en juin 2010. Ici, ce sont des enregistrements de 2007 et 2008 qui se sont déroulés dans des night-clubs à Bamako, le tout dans une configuration électrique et en prise directe. Raw electric blues from Bamako est sorti sur KSK, Kanaga System Krush, label qui se donne pour mission de faire découvrir les musiques nocturnes africaines à l’état brut et sans fioritures. Voici donc une autre facette de Lobi Traoré à découvrir, un blues électrique d’Afrique de l’Ouest à l’énergie brute comme je l’aime.

Zayna Jumma est le dernier album du groupe sarahoui. Tout en étant dans la tradition du Sahara Occidental, Group Doueh avait déjà une sérieuse tendance rock et on peut dire que ça se confirme dans ce dernier opus. Ce qui donne une transe sarahoui rock, que l’on pourrait qualifier de rock du désert?

Accompagné par Emre Gültekin, Ertan Tekin et Joris Van Vinckenroye, Wouter Vandenabeele nous emmène pour un voyage instrumental aux accents orientaux d’Anatolie centrale. Une invitation à se laisser dériver sur les mélodies mélancoliques interprétées au saz, doudouk, contrebasse et violon. Au son généreux et envahissant, fermez les yeux et laissez-vous faire… ils sont là, juste autour de vous, vous pourriez presque les toucher.

Après avoir bourlingué de Cracovie à Berlin en passant par New York et Istanbul, le crooner yiddish Stef Galeski fonde le groupe Kabbalah. Autour de son luth et de son chant aux “yoboboms” plaintifs, Stef Galeski s’est entouré d’artistes aux influences et origines bien variées. Une chanteuse et violoniste russe à la formation classique, Anna Startseva alias Anakin Startseva; un saxophoniste et multi-instrumentiste allemand fana de hip hop, Uli Wolters alias Uliphant 2000; le contrebassiste camerounais venant des Antilles avec ses makossa et kompa, Patrick Ferne alias Pat2bass; et pour finir, le batteur marseillais, Gerard Gatto alias Luigi El Gatto. Kabbalah, c’est tout ça. Des compositions s’inspirant de l’univers yiddish donnant pour résultat un klezmer revisité et dépoussiéré aux sonorités tantôt hip hop, rock, pop-jazz, voir funk… voici un aperçu du groupe.

Nous voici arrivés à la fin de cette avant-dernière série pour clôturer l’année 2011. Je vous souhaite de bonnes découvertes et vous reviens au plus vite pour la dernière.

à bientôt.

Anne Lecomte

Aaah, quand on parle de dessins animés japonais, les réactions sont assez amusantes et quelquefois épidermiques. Prétendus – parfois à juste titre – moches,  violents, stupides; les grands ados de ma génération se souviendront pourtant avec un brin de nostalgie de Récré A2, puis du Club Dorothée et de sa programmation souvent décriée par les médias: Candy, Goldorak, Capitaine Flam, Saint Seiya… Ces séries interminables des années 70-80 dont les génériques nous trottent encore en  tête!

Vous avez déjà fait l’essai de montrer ces séries à vos enfants? Quelle déception! Voir leurs mines consternées à se demander ce qui a bien pu vous captiver!

A cette époque deux irréductibles japonais vont résister à ces séries télévisées de plus en plus médiocres. Ils le feront en créant le Studio Ghibli – qui va produire de véritables perles comme Mon voisin Totoro,  Le Tombeau des lucioles ou encore Le Voyage de Chihiro.

Ghibli, c’est avant tout deux personnes: Isao Takahata et Hayao Miyazaki. Ces deux- là, avant de créer le studio, ont roulé leur bosse, gravi les échelons et travaillé sur de nombreux projets. Dans les années 70, tout ce qui intéresse les producteurs de séries télévisées est le profit. La pression sur les animateurs devient insupportable, la qualité ne cesse de baisser. Tout cela ne plaira pas à nos lascars qui ont d’ambitieux projets et vont tout faire pour les mettre à exécution. C’est le début de la saga Ghibli!                                   

Nausicaä ou comment se faire les dents

Réaliser des longs métrages de qualité supérieure à ce qui existait sur le marché, voilà le projet de Miyazaki et Takahata. “Ils cherchaient à obtenir  une animation qui soit réaliste et de grande qualité, qui sonde la profondeur de la pensée humaine et qui illustre les joies et les tristesses de la vie”, a expliqué l’ancien président des studios Ghibli Toshio Suzuki.

1984 – L’aventure de Ghibli démarre avec Nausicaä, un projet de Miyazaki. Il faut trouver des fonds, c’est là que Toshio Suzuki –  rédacteur en chef  de la revue d’animation Animage – entre dans la danse. C’est la valse des contacts avec plusieurs sociétés de production pour trouver celle qui se lancera dans l’aventure. Pour la petite histoire: Tokuma Shoten accepte à la condition de  publier d’abord Nausicaä sous forme de manga dans le magazine Animage! Manga qui sera bien accueilli par le public et les journalistes, ce qui leur permettra de recevoir le feu vert pour en faire une adaptation animée, ouf! Et puis, comme Miyazaki est un incorrigible, il posera lui aussi ses conditions : il veut absolument que Takahata  soit le producteur, et là, il faudra négocier ferme!

On trouve déjà les caractéristiques propres à l’univers de Miyazaki : ode à la nature, héroïne à  forte personnalité, objets volants… « Toute mon œuvre d’animation et de bande dessinée montre la terre, le ciel et la mer. Tout se rapporte à ce qui peut arriver sur la Terre ». Ce sera aussi le premier film  d’une longue série dont Joe Hisaishi composera la musique.

Forts de leur succès,  Takahata, Miyazaki et Suzuki décident de poursuivre leur travail collectif. C’est de cette collaboration que naît le Studio Ghibli. Studio qui permettra aux deux animateurs  d’être libres dans leurs créations, mais chaque film sera un pari risqué et un sacré défi. En effet, chaque film demandera un investissement financier important et beaucoup d’énergie de la part du personnel. Les animateurs sont intérimaires et payés à la pièce - système qui pose problème dans les réalisations Ghibli car la qualité était telle qu’elle prenait deux fois plus de temps que d’habitude et par conséquent les animateurs gagnaient moitié moins. Plus tard, ils seront engagés à temps plein, ce qui permettra aussi de former de jeunes talents.

Ghibli ou l’envol

Ghibli  est  un clin d’œil  à l’aviation (nom des  avions de reconnaissance italiens utilisés pendant la seconde guerre mondiale), mais désigne aussi en italien un vent chaud venu du Sahara. Ce nom symbolisera le vent de nouveauté que le studio veut insuffler dans l’industrie de l’animation: « L’idée était de consacrer toute l’énergie dans chaque partie du travail, avec des délais et un budget suffisant, sans aucun compromis sur la qualité et le contenu ». Extrait du discours prononcé par Toshio Suzuki lors du Festival international du film d’Annecy en 1995.

Parmi tous les films Ghibli, en voilà trois pour lesquels j’ai un petit faible : Mon voisin Totoro, Le Tombeau des lucioles, Le Voyage de Chihiro.

 1988 : Un bon cru!

En 1988, les Studios Ghibli vont réaliser deux excellents films qui ne se feront pas sans douleur. Il faudra en effet beaucoup d’énergie et de talent pour arriver à boucler ces deux projets.

-Mon voisin Totoro réalisé par Miyazaki est un petit bijou de finesse. Deux petites filles et leur père emménagent dans une maison à la campagne. Malgré l’ombre de la maladie de la maman  hospitalisée, Miyazaki est arrivé à insuffler dans ce film  beaucoup de fraîcheur.  Ça pétille, bourdonne, tourbillonne! On est littéralement emmené dans l’univers de ces deux petites filles et on se souvient de son enfance… Il y a Satsuki, la plus grande chez qui on sent beaucoup de maturité, de sensibilité et qui se sent responsable de sa petite sœur et puis il y a Meï, énergique, spontanée, mutine, qui s’émerveille d’un rien. On les suit avec plaisir et on ne s’étonne pas de les voir rencontrer des noiraudes, prendre un chat-bus ou discuter avec Totoro, sorte de toute grande peluche rugissant par moment. Il y a une très belle complicité entre le père et ses filles. Il leur parle du temps où les hommes et les arbres étaient amis… Comme dans Alice au pays des merveilles, on tombe dans des trous et il arrive toutes sortes de choses et ces choses là sont aussi merveilleuses qu’observer accroupi une ribambelle de fourmis!

-Le Tombeau des lucioles réalisé par Isao Takahata. Attention, émotions fortes! Takahata est né en 1935. Enfant, sa maison est bombardée par les Américains, il en restera marqué à tout jamais. Le tombeau des lucioles est une adaptation du livre éponyme d’Akiyuki Nosaka parut en 1967.

Nous sommes en 1945 à Kobe. Après des bombardements américains, Seita-14 ans et Setsuko, sa petite sœur de 4 ans  sont livrés à eux-mêmes. D’abord accueillis par une tante, ils seront rapidement chassés et devront essayer de survivre, malgré la guerre, la famine… Moins rude et cru que l’histoire originale, Takahata nous parle de l’enfance confrontée à la guerre avec un mélange de réalisme, d’horreur, de cruauté. Ça  pourrait être insoutenable et ça l’est par moment…   Heureusement il y a de la poésie, des petits moments de bonheur et de légèreté. Mais c’est aussi ce qui rend le film étrange. L’alternance entre des moments très durs et des moments calmes, beaux, intenses. Et puis il y a la présence des lucioles, la magie de l’enfance. Entre onirisme et réalisme, on est sans cesse bousculés. Le malaise est là, bien présent. Il n’y a pas de bons, pas  de méchants, il y a juste la guerre et ses conséquences… Ce dessin animé a été présenté aux écoliers japonais. Pour les enfants d’ici, cela peut sembler dur. Film pourtant indispensable!

-Le Voyage de Chihiro (2001)

Réalisé par Miyazaki. Voilà un dessin animé riche, dense et complexe. Chihiro est une petite fille de dix ans dont la vie bascule lors d’un déménagement. Après la traversée d’un tunnel, elle se retrouvera avec ses parents dans une sorte de ville fantôme où ses parents seront transformés en porcs. Coincée dans ce monde peuplé d’esprits et hostile aux humains, Chihiro n’aura d’autre choix que d’y travailler. A force de ténacité, elle signera un contrat avec la sorcière Yubâba  qui règne sur la ville et travaillera dans l’établissement de bains où viennent se reposer les esprits. Les images sont fortes, les couleurs chaudes et saturées, les personnages typés: Haku qui peut se transformer en dragon, les  hommes grenouilles, le bébé géant de Yubâba, le dieu putride et surtout l’énigmatique sans visage. Engrenages, poulies, ascenseurs… Dans l’établissement de bains qui fonctionne comme une véritable usine, les employés travaillent sans cesse à un rythme soutenu : Nettoyer, désinfecter, cuisiner, servir. Les Susuwatari transportent le charbon, le vieux Kamaji “au four et au moulin pour chauffer l’eau des bains!”.  Miyazaki aborde ici les thèmes de la société de consommation, de l’avidité, de la cupidité et du monde du travail. Chihiro, plongée dans un univers codifié, étrange et inquiétant sera amenée à se dépasser malgré l’absence de repères et surtout l’absence de ses parents. Les rôles sont inversés et c’est elle qui devra les sauver du sortilège. Chihiro réussira-t-elle à les sauver et à retourner dans le monde des humains ?

 Le Voyage de Chihiro a eu énormément de succès au Japon, mais aussi hors de ses frontières. Il a reçu de nombreux prix dont l’Ours d’or au Festival international du Film de Berlin et l’oscar du meilleur film d’animation 2003.

En guise de conclusion:

Deux fortes personnalités

Est-ce que le talent seul suffirait à expliquer la réussite du Studio Ghibli ? Certainement pas! Les personnalités étonnantes de leurs créateurs y sont aussi pour quelque chose : fantasques, têtus, orgueilleux,  jusqu’au-boutistes,  enfantins, curieux, travailleurs,  sans-gênes, colériques, impulsifs, tenaces, déterminés, émotifs, poètes sont quelques traits qui les caractérisent.

-IsaoTakahata, né en 1935 est diplômé de littérature française. C’est le dessin animé Le Roi et l’oiseau de Paul Grimault qui a été déterminant dans son envie de créer des films d’animation. Plus âgé, un peu plus effacé aussi. Il n’a jamais accepté de faire partie intégrante du Studio et a un statut de consultant qui lui donne sans doute un sentiment de liberté, l’impression de pouvoir quitter le navire à tout moment.Il a finalement réalisé peu de films au sein du Studio : Le Tombeau des lucioles, Omohide Poroporo, Pompoko et Mes voisins les Yamada en 1999. Isao Takahata est en retrait depuis plus de dix ans.

-Hayaho Miyazaki, né en 1941 est diplômé en économie. A énormément d’admiration pour son aîné et a besoin de son assentiment lors de ses créations. Infatigable, il est sur tous les fronts et s’investira énormément dans la création des nouveaux studios et du musée Ghibli. Hayaho Miyazaki a une aura qui dépasse largement les frontières du Japon.

La relève est-elle assurée ?

Après la sortie de Princesse Mononoke en 1997, Miyazaki décidera de prendre sa retraite. Il reviendra un an plus tard après le décès de son successeur Yoshifumi Kondō et continuera à  réaliser des films  dont La Colline aux coquelicots, une collaboration avec son fils aîné – Gorô Miyazaki - sorti cet été au Japon.                                                              Arrietty réalisé par Hiromasa Yonebayashi qui travaille depuis 12 ans au sein du Studio est le dernier film sorti chez nous. Dans la lignée de l’esprit Ghibli? Certainement! Mais… A vous de juger!

Les différents projets sur lesquels Miyazaki et Takahata ont travaillé avant la création du Studio Ghibli: 

• Horus, le prince du soleil
• Chat botté
• Panda petit panda
• Heidi
• Conan, le fils du futur
•  Le Château de Cagliostro 
•  Kie, la petite peste 
•  Gauche, le violoncelliste 
• Sherlock Holmes 
• Nemo
• Nausicaä                              

Les films Ghibli à la médiathèque:  

• Le Château dans le ciel
• Mon voisin Totoro
• Le Tombeau des lucioles
• Kiki la petite sorcière
• Souvenirs goutte à goutte
• Porco rosso
• Pompoko
• Princesse Mononoke
• Mes voisins les Yamada
• Le Voyage de Chihiro
• Le Royaume des chats
• Le Château ambulant
• Les Contes de Terremer
• Ponyo sur la falaise
• Arrietty

 Pour les aficionados, vous trouverez une foule d’anecdotes et d’interview sur ces deux sites :

http://www.buta-connection.net/films/totoro.php

http://www.animint.com/encyclopedie/auteurs/ghibli_intro.html

Un livre vient de paraître - Dans le Studio Ghibli : Travailler en s’amusant (de Toshio Suzuki)

Chaque mois dans les « Divans du rock », Brigitte vous présente une dizaine de trouvailles dénichées au fil de l’actualité. Lors de ses séances et aussi par ses fameuses étiquettes de « Chouchous » que l’on retrouve dans les présentoirs, c’est tout un esprit qu’elle met en lumière. Celui qui anime des musiciens qui cherchent à s’exprimer avec originalité et sans suivre les diktats des modes du moment. Venez les découvrir !

Samedi 14 janvier à 16 heures – Passage 44, Boulevard du Jardin Botanique 44 – 1000 Bruxelles

Accès gratuit, réservation souhaitée sur passage44@lamediatheque.be ou au 02 218 44 27

Un peu de lecture: Les Chouchous du rock sur le blog.

« Gasland » est un film d’investigation au sujet de l’extraction du gaz de schiste aux Etats-Unis et de la pollution des cours d’eau et nappes aquifères qui en découle.

En effet, pour extraire ce gaz, il faut injecter des dizaines de sortes de produits chimiques nocifs dans le sol, qui finissent par contaminer les rivières et l’eau potable. Encore une fois, les industriels sont parvenus à contourner la réglementation qui, jusqu’à récemment, protégeait les ressources d’eau aux Etats-Unis.

L’enquête est menée par Josh Fox à travers toute l’Amérique. Des tas de personnes font part de leurs problèmes de santé. Le réalisateur a récolté de nombreux d’échantillons d’eau pour les faire analyser et, bien sûr, aucun industriel ne veut faire l’expérience de boire un verre de cette eau censée être potable pour le peuple.

Ce documentaire est superbement réalisé, dans un style d’investigation assez classique. Il a reçu de nombreux prix. A voir, car le temps viendra assez vite où vous risquez de voir pousser une station de forage au bout de votre jardin… mieux vaut être prévenu …

… Je me demande si, un jour, les firmes ne finiront pas par faire payer aux victimes le gaz qui sort simultanément à l’eau de leur robinet. De nos jours il ne faudrait s’étonner de rien !

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« Into eternity » parle de la construction d’un énorme dépôt permanent, servant à l’enfouissement de déchets nucléaires dans le sous-sol en Finlande, avec tous les risques que cela représente au niveau de la sécurité des populations à long terme.

Michael Madsen propose un film très particulier, un essai cinématographique, au ton assez « envoûtant », une sorte de science fiction documentaire entremêlée de paroles d’experts (qui ne sont bien sûr pas tous du même avis sur la question). Cela reste malgré tout un vrai documentaire, car son objectif est de nous mettre en garde, de nous informer sur les risques qu’implique un tel choix en matière de gestion des ressources énergétiques.

Un très bon documentaire, doublé d’une réflexion philosophique, sur ce que veut réellement dire « long terme » lorsqu’on parle de générations à venir, de temps géologiques ou de désintégration de  combustible nucléaire.

Eddy Maes

Détails, résumés et disponibilité

Gasland, un film de Josh Fox

Into éternity, un film de Michael Madsen

Classé dans:As de pique, Documentaire, Eddy Maes Tagged: écologie, Chimie, Déchet nucléaire, eau, extraction, Finlande, Gaz, Géologie, Josh Fox, Michael Madsen, pollution, Radioactivité, ressources énergétiques, Schiste ]]> http://lamediabxl.wordpress.com/2012/01/11/eau-et-gaz-a-tous-les-etages/feed/ 0 La média de bxl DP_UPLOAD 1754 Gasland1-580x323 affiche-into-eternity jpg_2-111 19701453.jpg-r_640_600-b_1_D6D6D6-f_jpg-q_x-20110324_042700 71588 http://lamediabxl.wordpress.com/2012/01/10/precious-un-film-precieux/ http://lamediabxl.wordpress.com/2012/01/10/precious-un-film-precieux/#comments Tue, 10 Jan 2012 09:30:22 +0000 La média de bxl http://lamediabxl.wordpress.com/?p=15533 Lire la suite →]]>

PRECIOUS
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL ‘PUSH’ BY SAPPHIRE
Réalisateur : Lee DANIELS
VO AN st.FR. Durée :109′.
UNIVERSAL, 2009, Etats-Unis.

Inceste, pauvreté, maltraitance infantile, analphabétisme, sida … autant de sujets que l’on n’a pas vraiment envie d’aborder. Cependant, il est inutile de se voiler la face car cela existe, et que les contes de fées, eux, n’existent pas… Clarence Precious Jones est une gamine de 16 ans qui n’est née ni au bon moment, ni au bon endroit : Harlem, un père immonde, une mère odieuse, deux grossesses trop tôt, un problème de poids, une vie de merde. Pourtant, comme toutes les jeunes filles, Precious a des rêves de princesse et s’imagine mannequin, fiancée, danseuse, chanteuse… pour s’échapper de toute sa misère quotidienne. Petite lueur d’espoir, Precious est dirigée vers une école alternative où elle va enfin s’intéresser à l’écriture, à la lecture et échanger des idées. Une toute petite porte de sortie dans ce tas d’immondice.

Malgré un scénario des plus pessimistes, le film « Precious », adapté du roman Push (de l’auteur Sapphire ) n’est ni plombant, ni pathos, grâce à la prouesse du réalisateur Lee Daniels et du scénariste Geoffrey S. Fletcher. Une prise de vue simple, parfois imprécise, une voix off touchante mais pas envahissante, un jeu d’acteur impeccable (le rôle de la mère interprétée par Mo’nique est bouleversant), des séquences de rêves très étranges et inattendues font de ce Precious un film étonnant ou l’on se surprend même parfois en train de sourire, et qui n’est pas du tout larmoyant (on n’ose imaginer ce qu’aurait pu en faire un réalisateur tâcheron). Il faut enfin ajouter la générosité qui émane de cette enfant fragile, brisée, interprétée merveilleusement par l’actrice Gabourey Sidibe.

Precious est donc un film qui marque, dans le bon sens du terme. Le renouveau du film social ? A vous de juger.

Brigitte Segers

Bonne écoute !

Donatien de le Court

Pour connaître la disponibilité de l’un ou l’autre des média, cliquez sur la vignette correspondante.

Johann Christian Bach – Missa da Requiem

Respectant le style polyphonique traditionnel tout en le parant de traits plus contemporains, Le Requiem de J-CH. Bach équilibre un jeu complexe et raffiné des mouvements et des voix, révélant une composition originale, d’une grande beauté. La séquence Dies irae est magnifique, les Arias déploient des mélodies que les voix des solistes colorent de leurs affects tandis que l’intervention des chœurs apporte une ampleur émotionnelle intense à la composition. Le Miserere s’inscrit dans la même veine d’inspiration, ample et sensible, équilibrant les mouvements des solistes, des chœurs et de l’orchestre. Les deux œuvres sont remarquablement servies par l’interprétation de l’Akademie für Alte Musik Berlin et du Rias Kammerchor dirigés par Hans-Christoph Rademan, interprètes qui font éclater les multiples couleurs de la composition, respectant l’équilibre de la diversité des parties tout en révélant deux œuvres d’une architecture parfaitement harmonieuse. (FVW)

Hélène Grimaud – Mozart – Masques et Magie

C’est toujours un plaisir de retrouver Hélène Grimaud. Elle nous revient aujourd’hui dans un programme entièrement mozartien. Les deux concertos devaient initialement être enregistrés lors d’un concert à Bologne avec l’Orchestra Mozart dirigé par Abbado, mais les circonstances ont fait que c’est finalement lors d’un concert reprenant le même programme à Munich avec l’Orchestre de chambre de la radio bavaroise que le projet a été finalisé. Dans une interview parue dans le Classica de novembre 2011 à l’occasion du Choc Classica que son disque a reçu, Hélène Grimaud évoque une rencontre magique avec le Kammerorchester des Bayerischen Rundfunks: l’osmose qui s’est opérée entre elle et l’orchestre a créé les conditions d’une “liberté partagée”, ce sont ses mots, qui a permis de dépasser les questions de stylisation pour accéder à quelque chose de plus fondamental à ses yeux. Hélène Grimaux nous confie apprécier de plus en plus les conditions du live qui implique un dépassement de soi dont elle estime que la musique sort gagnante. Revendiquant la simplicité de la lecture qu’elle fait des compositions de Mozart, elle conseille tout simplement de ne pas “gêner la musique”. Mozart était avant tout un être de passion, il ne se cachait pas derrière des artifices comme d’aucuns le pensent, mais exprimait librement ses émotions. Pour nous en convaincre, elle a choisi trois œuvres parmi celles qu’elle ressent comme les plus magiques, un mot qui, avec passion, revient fréquemment dans ses propos, notamment le sublime adagio du Concerto pour piano en la majeur K.488 dont elle pense que “Même si ce mouvement était tout ce que nous avions, cela suffirait” Le résultat est … magique ! (AF).

Iphigenia en Tracia - José de Nebra

L’œuvre fut créée à Madrid en 1747. C’est une zarzuela, genre espagnol de l’art lyrique du XVIIIè, spectacle qui alterne des airs chantés, des déclamations et des parties instrumentales. Les interprètes du présent enregistrement, version de concert et non de représentation, ont choisi de privilégier les parties chantées, récitatifs et arias et la musique en supprimant les textes déclamés, désirant souligner par ce choix, la beauté de cette musique oubliée sur les rayonnages d’une bibliothèque. José de Nebra, né en 1702, se consacra dans la première partie de sa carrière musicale à composer pour les compagnies de théâtre madrilènes, œuvre foisonnante dont les zarzuelas. A partir de 1751, il fut organiste et compositeur à la chapelle royale à Madrid. De formation traditionnelle, musicien virtuose, il s’intéressa à toutes les tendances musicales de son époque, sous influences italienne et française ainsi qu’aux musiques populaires espagnoles. L’œuvre du compositeur est fragmentée, éparpillée sinon perdue et déplorant ce fait, le Concierto Espanol, sous la direction d’Emilio Moreno a réalisé la reconstitution de cette zarzuela, fruit d’un patient travail de retranscription de la partition originale, rendant ainsi hommage au compositeur et à son œuvre. (FVW)

René Jacobs – G.F Haendel Aggripina

L’Agrippina de Haendel, opéra de jeunesse créé à Venise vers 1710 rencontra un grand succès qui étoffa encore la renommée déjà acquise du jeune compositeur. Sur les scènes d’opéra, la popularité des chanteurs était assez puissante que pour leur permettre d’influencer les créations des compositeurs. Le manuscrit autographe de l’Agrippina, atteste au vu des rectifications notées par Haendel qu’il a dû se plier aux volontés des chanteurs et aux modes de représentations théâtrales de l’époque. René Jacobs a étudié manuscrits et partitions et a reconstitué l’Agrippina telle que Haendel semble l’avoir composée initialement. Plaçant l’orchestre au cœur de la représentation, privilégiant les récitatifs, il nous donne une version théâtrale, dynamique et colorée menée par l’orchestre et une pléiade de chanteurs qui modulent le texte au gré de l’expression dramatique dans l’alternance des récitatifs et des arias donnant à l’ensemble une merveilleuse diversité d’émotions. La version de René Jacobs et de ses interprètes peut s’inscrire en référence de ce chef-d’œuvre de l’opéra baroque. (FVW) Akademie für Alte Muzik Berlin et Alexandrina Pendatchanska, Jennifer Rivera, Sunhae Im, Bejun Mehta, Marcos Fink, Neal Davies, Dominique Visse, Daniel Schmutzhard.

Jean-Guihen Queyras – Vivaldi & Caldara – concerto pour violoncelle

Les 27 concertos pour violoncelle que composa Vivaldi, témoignent de son intérêt pour l’instrument qu’il soumit aux exigences d’une virtuosité inventive et souple, dans une variation des mouvements et de leurs tempos qui colorent ses compositions de nuances si contrastées, entre les teintes douces et délicates des adagios et les éclats les plus vifs des allegros. Jean-Guihen Queyras et l’Akademie für Alte Muzik, dirigée par Gerog Kallweit, nous font vivre ces concertos dans une complicité d’interprétation jubilatoire. Le violoncelle de Queyras, imprégné dans la moindre de ses fibres de l’œuvre de Vivaldi se soumet avec virtuosité et inspiration à toutes les subtilités des compositions de ce génie du Baroque. Un album jubilatoire! (FVW)

Contributeurs :

Au service des collections :

Nathalie Ronvaux (NR) ~ Anne Genette (AG) ~ Andrée Forster (AF) ~ Marie de Wautier (MDW)

Jacques Ledune (JL)

A le Média Bxl :

Françoise Vandenwouwer (FVW)

Philippe Cantaert (PC)

Notre série sur Polanski s’achève cette semaine en fanfare. On ne manquera pas le podcast bientôt publié sur ce blog qui évoquera le thème de la folie, ni les premiers épisodes du dossier disponibles ici : 1/4, 2/4 et 3/4.

Polanski, fâché avec la presse et la critique depuis longtemps, continue film après film à enrichir sa filmographie … un peu aigri tout de même qu’on ne l’aime plus, en quête d’un nouveau gros coup.

Le phénix

Le pianiste 2002 VP2677

Władysław Szpilman, pianiste de renom à la radio polonaise, est entraîné dans la marche effrayante de la Deuxième Guerre mondiale. Juif de Varsovie, il va devoir déjouer toute la fureur du XX° siècle pour survivre.

Construit comme un concerto, l’histoire individuelle et véridique de Szpilman se déroule sur fond d’événements historiques majeurs : invasion allemande de la Pologne, ghetto juif de Varsovie, déportations de masse vers les camps, révolte du ghetto, insurrection  de Varsovie, arrivée des Soviétiques. Cette fusion entre le microcosme de Szpilman et le macrocosme de la guerre fait la richesse du film qui se révèle extrêmement pédagogique d’un point de vue historique, tandis qu’il parvient à maintenir l’émotion au travers des épreuves subies par le protagoniste. La réalisation accentue le point de vue de Władysław : les scènes de combat sont vues en plan large, depuis la fenêtre de l’appartement où il se trouve. Il devient de ce fait témoin de l’Histoire en action sous ses yeux.

Polanski, lui-même d’origine juive et dont les parents ont été déportés, a trouvé à la lecture des mémoires de Szpilman un sujet qui lui permettait un retour au bercail, avec ce premier film co-produit par la Pologne depuis le Couteau dans l’eau. Outre son passé national et familial, Polanski rejoint ses peurs de toujours : l’innocence aux prises avec le mal, l’enfermement, la détermination à résister, la promiscuité avec le danger (Szpilman en vient à habiter en face de la police allemande, puis dans le grenier d’un QG allemand), … Mais cette fois, une certaine rédemption point dans la figure de l’officier de la Wehrmacht, ce qui donne une résonance humaniste au film qui sinon aurait pu apparaître comme un simple « survival » ancré dans le réel ou un film historique manichéen.

Evitant le piège de la reconstitution des camps, Polanski en montre les prémisses (les trains) et la libération des survivants, laissant à d’autres la polémique entre l’approche de Spielberg pour La Liste de Schindler (montrer l’horreur) et celle de Lanzmann pour Shoah (toute reconstitution est trompeuse sur l’expérience des camps).

Production coûteuse orientée pour le marché international (les Polonais parlent anglais, les Allemands…allemand) et portée par un Adrien Brody justement inexpressif comme réceptacle au déchaînement de l’Histoire, Le Pianiste a raflé Palme d’Or (2002), 7 Césars et 3 Oscars… signant ainsi le retour de Polanski au sommet, avec une œuvre ambitieuse par son ampleur mais très classique dans sa facture.

The Ghost Writer 2010 VG0289

Suite à la mort mystérieuse du précédent nègre de l’ancien premier ministre britannique Adam Lang, une jeune plume (Ewan Mc Gregor) y va au culot auprès des éditeurs pour reprendre le rôle et rédiger les mémoires de l’illustre personnage (Pierce Brosnan). Bien sûr, cette tâche de premier plan implique des concessions : s’isoler sur l’île aux Etats-Unis où Adam Lang occupe une superbe villa, reprendre un manuscrit dont la qualité littéraire laisse à désirer et supporter un climat pesant de fin de règne.

The Ghost Writer est un thriller politique.

Il est politique parce qu’il dénonce la soumission aveugle de Tony Blair aux Etats-unis en matière d’affaires étrangères et de « lutte contre le terrorisme » (jusqu’à organiser la torture). Si la charge est féroce, son emballage dans une trame de complot l’affaiblit quelque peu.

Il relève du thriller car il parvient à transmettre au spectateur un stress continuel, principalement parce que le protagoniste ne fait pas ce qu’on attend de lui et qu’il court ainsi le risque de violentes conséquences.

Se situe-t-on dans la lignée Polanski ? Le cinéaste ne pouvant échapper à lui-même, il traite une fois de plus de ses marottes : le huis-clos, l’innocence courageuse face au pouvoir vicié, le complot paranoïaque, la fatigue du couple, la femme forte, … D’un point de vue mise en scène cependant, cet opus confirme que si le jeune Polanski s’amusait à malmener les codes, sa version âgée se retranche dans un classicisme transparent et efficace, néanmoins récompensé du prix de la mise en scène à Berlin en 2010.

Le piquant de l’affaire est d’imaginer que Polanski a dû tourner ce film censé se passer en grande partie aux USA sans pouvoir lui-même y mettre le pied (ses casseroles judiciaires l’en empêchent), puis qu’il a dû le monter alors qu’il était en résidence surveillée en Suisse : au huis-clos design de la villa d’Adam Lang répond celui du chalet de Gstaad. Comme si la vie rattrapait une fois de plus Polanski et ses démons.

Le dernier film en date de Polanski, Carnage, adapté de Yasmina Reza, est sorti en salles le 14 décembre 2011. Le cinéaste a bientôt 80 ans, mais le phénix n’est pas encore prêt à mourir.

En complément, on regardera:

Roman Polanski : Wanted and Desired  Marina Zenovich 2008 TI5701

Intéressant documentaire si on veut approcher davantage la vie du cinéaste, et plus particulièrement l’affaire de viol sur mineure qui a provoqué sa fuite des Etats-Unis.

Construit de manière classique, récoltant les témoignages des uns et des autres (à l’exception de Polanski, néanmoins présent via des interviews d’archives), y compris de la victime elle-même, ce documentaire défend la thèse que l’emballement de la presse et l’attitude du juge sensible au retentissement médiatique du dossier n’ont pas permis d’assurer une procédure judiciaire convenable, ce qui n’a bénéficié ni à la victime, ni à Polanski. La victime a déclaré vouloir abandonner les poursuites. Mais les faits (qualifiés différemment par les parties) demeurent… et la procédure est à ce jour toujours en cours.

La peur de la folie

Que retenir de notre expédition à travers la filmographie de Polanski ? On pourrait multiplier les conclusions pertinentes, nous nous limiterons à un axe : le cinéaste polonais décline à l’infini sa peur de plonger dans la folie, qu’elle sonne un jour à sa porte, s’invite chez lui et qu’il ne puisse plus s’en débarrasser. La folie comme un invité gênant, une crainte qui se réalise malgré soi.

Est-ce à partir de sa vie où maintes fois il s’est senti persécuté, traqué, menacé qu’il a développé cette angoisse ? Sans doute les événements et chocs qui parsèment son parcours personnel ont contribué à un rapport à l’Autre délicat, où ne sachant plus comment entrer en relation avec un monde vicié ou hostile, la tentation est grande de se retrancher en soi, en lieu connu (ce qui explique la récurrence des huis-clos dans ses films). Une fois prisonnier de lui-même, d’une vision du monde tronquée, le personnage de Polanski ne trouve souvent d’issue que dans la mort, donnée ou reçue : à force de vouloir préserver les reliquats de son innocence, il dépasse les limites sans en prendre conscience.

Carol dans Répulsion, Tess dans Tess, George dans Cul-de-sac, Rosemary dans Rosemary’s baby, Trelkovsky dans Le Locataire, Mimi et Oscar dans Bitter Moon, tous louvoient de la normalité à la folie, hésitent, font demi-tour, avant de se laisser emporter trop loin, de manière irréversible.

Polanski explore cette frange où certains se débattent pour survivre malgré la dureté de la confrontation au monde et livre souvent un constat pessimiste sur les chances de réussite. Le Pianiste, œuvre importante de ces dernières années, tempère et quelque part rachète ce nihilisme : même en temps de folie généralisée, tout n’est pas perdu, et l’homme est capable d’aider son semblable.

Rendez-vous dans les jours à venir sur ce blog pour une causerie enregistrée (“podcast”) au sujet de la folie chez Polanski.

Filmographie sélective (l’essentiel)

-          Répulsion, 1965, VR1551

-          Rosemary’s baby, 1968, VR6061

-          Chinatown, 1974, VC3368

-          Le Locataire, 1976, VL5631

-          Le Pianiste, 2002, VP2677

Filmographie extensive (en gras les films commentés dans cet article)

Courts-métrages

-          La Bicyclette, 1955

-          Meurtre, 1956 – VX4658

-          Rire de toutes ses dents, 1956 – VX4658

-          Cassons le bal, 1957 – VX4658

-          Deux hommes et une armoire, 1958 – VX4658

-          La Lampe, 1959 – VX4658

-          Quand les anges tombent, 1959 – VX4658

-          Le Gros et le Maigre, 1960 – VX4700

-          Les Mammifères, 1962 – VX4658

-          La Rivière de Diamants, in Les Plus Belles Escroqueries du Monde, 1963

-          Cinéma érotique, in Chacun son cinéma ou Ce petit coup au cœur quand la lumière s’éteint et que le film commence, 2007 – VC0581

Longs-métrages

-          Le Couteau dans l’eau, 1962 – VC6001

-          Répulsion, 1965 – VR1551

-          Cul-de-sac, 1966 – VC9122

-          Le Bal des Vampires, 1967 – VB0294

-          Rosemary’s baby, 1968 – VR6061

-          Macbeth, 1971 – VM0103

-          Quoi ? , 1972 – VW2003

-          Chinatown, 1974 – VC3368

-          Le Locataire, 1976 – VL5631

-          Tess, 1979 – VT0116

-          Pirates, 1986 – VP0846

-          Frantic, 1988 – VF6802

-          Bitter moon (Lunes de fiel), 1992 – VL8180

-          La Jeune fille et la Mort, 1994 – VJ1412

-          La Neuvième Porte, 1999 – VN2077

-          Le Pianiste, 2002 – VP2677

-          Oliver Twist, 2005 – VO0005

-          The Ghost Writer, 2010 – VG0289

-          Carnage, 2011

A propos de Polanski :

-          Roman Polanski : Wanted and Desired, Marina Zenovich,  2008 – TI5701

Donatien de le Court

Les épopées authentiques, sont des histoires qui racontent comment les gens sont confrontés aux forces qui les dépassent.

Anne Lévy-Morelle n’aime pas le mot « documentaire » pour qualifier ses films. Son objectif n’est pas d’enseigner quelque chose, mais de faire passer des « émotions cinéma » sans qu’il y ait des acteurs jouant un rôle.

« Le rêve de Gabriel » met en scène une dizaine de personnes qui ont abandonné leur vie facile pour se lancer dans une aventure où l’incertitude était au rendez-vous. C’était après la seconde guerre mondiale, Gabriel entreprit d’aller s’installer dans les montagnes de Patagonie avec toute sa famille et quelques uns de ses amis…Le film d’Anne-Lévy raconte cette histoire en se basant sur des documents d’archives et des témoignages recueillis.

Dans « Sur la pointe du cœur », c’est tout le personnel ainsi que les usagers d’un  hôpital qui sont les protagonistes de l’histoire.

Ce film est à mon sens le plus fort des trois

Au deuxième sous sol de l’Hôpital St Pierre, il y a la morgue, au dernier étage c’est la salle d’accouchement.  Entre les deux, il y a tous les stades intermédiaires.  Chaque étape est symbolisée par une porte qu’on franchit, jusqu’à la dernière qui clôture notre voyage dans la condition humaine.

 Alors que « Le rêve de Gabriel » parlait de voyage dans des contrées lointaines, « Sur la pointe du cœur » explore les entrailles du corps humain …« Beauté âpre du paysage intérieur qui nous est inconnu alors qu’il est ce qu’il y à tout prés de nous »…

Je trouve qu’il est très difficile de résumer ce film sans le dénaturer, lui enlever sa substance. Il y a dans celui-ci, une manière de filmer, de poser les questions, d’interpeller les protagonistes qui relève du non verbal. Trop le résumer reviendrait à le reléguer au rang de documentaire « sur l’hôpital ».

« Manneken pis, l’enfant qui pleut », est le portrait d’une ville d’un million d’habitants vu au travers de son symbole le plus mondialement connu

…« C’est un film politique au sens vaste terme. Il tente de faire comprendre que la crise que nous traversons est inscrite dans le caractère géographique de la ville »…

Tourné entre 2005 et 2007, C’est une sorte d’investigation qui cherche à comprendre la raison pour laquelle ce petit bonhomme qui fait pipi à tant de succès auprès des bruxellois et des touristes venu du monde entier.

…« C’est une expérience de vie traversée par des courants de directions différentes » nous dit Anne-Levy …« Ce qui se passe aujourd’hui est en rapport avec les forces en place depuis des siècles »… 

Malgré la volonté d’Anne-Lévy de ne pas vouloir faire du documentaire au sens strict du terme, ce film m’a appris pas mal de choses sur l’histoire de notre capitale et de son symbole. Sans doute le plus divertissant de la série.

Eddy Maes.

Détails et disponibilité:  Les épopées authentiques   (1- Le rêve de Gabriel  2- Sur la pointe du cœur  3- Manneken pis, l’enfant qui pleut).

Octobre 2003, « Throbbing Gristle » annonce officiellement sa reformation. Près de douze années d’absence où chaque membre a pu exceller dans leurs projets musicaux respectifs. Pour célébrer l’événement, ils annoncent un festival intitulé « RE-TG » qui aurait dû avoir lieu du 14 au 16 mai 2004 à Camber Sands dans le sud de l’Angleterre. Festival de taille car le groupe prévoit d’y faire passer une multitude d’artistes connus du milieu industriel tels que : Richard H Kirk (de Cabaret Voltaire), « Merzbow », FM Einheit (du groupe Einsturzende NeuBauten) mais aussi la scène électronique comme « Scanner » et « Matmos ». Après une campagne gigantesque et plusieurs milliers de tickets réservés, le festival est finalement annulé pour des raisons obscures. Il faudra attendre fin 2004 pour que le groupe joue à Camber Sands. Le concert est enregistré. Il sort sur format CD le soir même sous le titre «  A souvenir of Camber Sands ».

Destiné au public néophyte, la compilation «  A Taste Of TG » sort la même année. Elle couvre la période 1977-1981. Un autre album voit le jour également et s’intitule : « Mutant ». Cet opus technoïde est un panel de remixes effectués  par Carl Graig, Simon Ratcliffe, Richie Hawtin et bien d’autres de la scène techno et électronique.

Ils donnent quelques concerts notamment en Italie en juin 2005 au « Traffic Free Festival » de Turin et quelques dates à Berlin fin 2005, début 2006. Ces performances leur servent à se faire la main sur de nouveaux titres qui apparaissent d’ailleurs dès 2004. Le EP « TG Now » en est un premier témoignage. Ils achèvent ainsi une tournée internationale et sortent en 2007 l’incontournable : « Part II – The Endless Not ».

L’album relance l’enthousiasme du groupe. Un grain sonore brut se dégage sur une écriture musicale obsessionnelle. On y retrouve la pâte « Throbbing Gristle » mais avec du nouveau matériel musical et un côté plus mélodique que dans la première période. Le titre « Almost a Kiss » dégage une ambiance électronique et aérienne. La voix de Genesis P-Orridge rappelle sur ce titre celle de Leonard Cohen.

TG entame une tournée et crée entre temps des installations sonores de 2007 à 2009. Courant 2009, sort l’album autoproduit « The Third Mind Movements ». TG donne son dernier concert à Londres le 23 octobre 2010. Alors que la formation commence à travailler sur une nouvelle déclinaison qui s’intitule X-TG, la mort soudaine de Peter Christopherson (le 24 novembre 2010) vient interrompre les activités de « Throbbing Gristle ». A ce jour, l’aventure semble définitivement close.