•         Les premiers 

On se souvient tous du Prince de Bel-Air : Will, joué par l’acteur/rappeur Will Smith.  Les mauvaises fréquentations du jeune Will inquiètent sa mère qui décide de lui faire quitter Philadelphie. Elle l’envoie vivre chez sa tante Vivian et son oncle Phil en Californie. Will doit apprendre à s’adapter à sa nouvelle vie : école privée, manoir, un valet à la maison… Son comportement quelque peu familier jure avec le raffinement de sa famille adoptive. Surtout quand son pote Jazz décide de se pointer à la maison ! Ses manières et son manque de tact laissent beaucoup à désirer, ce qui vaut à Jazz d’être fichu à la porte d’innombrables fois par l’Oncle Phil. Jazz était joué par DJ Jazzy Jeff, l’autre moitié du duo DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince. Ca ne vous dit rien ? C’est un peu normal : ce duo s’est séparé plus ou moins au moment où la carrière de Will Smith a décollé. Les parutions solo de DJ Jazzy Jeff ne sont pourtant pas à négliger. Il manie les platines sur Hip Hop Forever II (KD4856).

·        Le plus drôle

C’est sûr, Snoop Dogg est connu pour son sens de l’humour. Celui qui s’est réinventé en Snoop Lion le temps d’un album reggae (si, si !) aime nous rappeler que le rap n’est pas la seule corde à son arc. L’autodérision et les déguisements loufoques ne lui sont pas étrangers : au grand écran il nous a honorés avec ses prestations dans Starsky & Hutch – VS7031 (dans le rôle d’Huggy les bons tuyaux), Brüno ou encore Training Day. Dans son clip pour Sensual Seduction, il incarne une star d’électro-funk retro « second degré ». Dans la vidéo du single P.I.M.P de 50 Cent, il enfile son déguisement de proxénète ringard : perruque brushinguée et dentier pourri. Ce personnage, c’est Big Jeffrey, l’un des différents foufous que Snoop nous avait présentés du temps de son émission de sketches Doggy Fizzle Televizzle, diffusée sur MTV en 2002.  Au menu : des sketches à haute valeur comique, un peu de musique et beaucoup d’invités spéciaux (entre autres Samuel L. Jackson, George Clinton). KS5475 Rhythm & Gangsta

·          La girouette

Il y a un peu plus de vingt ans, en 1992, une polémique s’enflammait autour de la chanson Cop Killer (litt. tueur de flics) du groupe Body Count. Ecrite par un certain Ice-T, cette chanson s’insurge contre la brutalité arbitraire de la police américaine et parle même d’assassiner un flic… A cause de ce brouhaha, Ice-T a reçu l’étiquette de mauvais garçon. Quelques années plus tard, le voici en rôle titre d’une série de flics (Law & Order : Special Victims Unit). Mais ce n’est pas tout ! Depuis 2011 il dévoile sa vie privée sur le petit écran dans Ice Loves Coco, une télé-réalité qui suit le quotidien du rappeur et de son épouse Coco (connu pour ses prestations en tant que mannequin de charme). On y découvre une facette inattendue de l’ancien leader des Body Count : tendre et protecteur, il obéit au doigt manucuré et à l’œil sur-maquillé de Madame… XB644T Body Count

•    Le Canadien sensible 

Avant les fiestas people aux côtés de Lil’ Wayne, avant les duos avec Kendrick Lamar, Rihanna ou encore Nicki Minaj, avant même d’être Drake, il était Aubrey Drake Graham. Durant six saisons, ce jeune canadien joue le rôle de Jimmy Brooks dans Degrassi : Nouvelle Génération. A partir de 2006, il se met à la musique et sort des mixtapes gratuites sur le net. Il découpe son nom pour en garder la partie la plus « cool » qui deviendra son blaze (nom de scène) mononyme : Drake. C’est sa troisième mixtape So Far Gone en 2009 qui cimentera sa présence dans l’univers du hip-hop. KD7539 Take Care

•    La montée en flèche

Stricto sensu, on peut se permettre de ranger Marky Mark dans la catégorie « rappeurs », non ? Le petit frère d’un des New Kids On The Block s’est fait connaître grâce à son unique tube en 1991, j’ai nommé Good Vibrations. Heureusement, son aventure dans la musique s’est arrêtée là. Le public s’attendait sans doute à ce qu’il sombre dans l’obscurité mais Calvin Klein en a décidé autrement lorsqu’il choisit « Marky Mark » Wahlberg pour afficher ses abdos à côté de Kate Moss dans une célèbre campagne publicitaire. Quelques films plus tard (Fear – VF1038, Boogie Nights – VB5856, Italian Job – VB6417), on peut dire qu’il a fait ses preuves en tant que comédien. En 2004, il coproduit la série Entourage dont les personnages sont basés sur Wahlberg lui-même et ses amis. A quatre reprises, il apparaît dans la série en tant que lui-même.  VE0047 Entourage Saison 1

•  Le scénariste

Lorsque Donald Glover s’est lancé dans le rap, il lui fallait un « blaze », ou nom de scène. Sur le net, un générateur de noms de scène lui assigne le nom de Childish Gambino. S’il a manqué d’imagination pour trouver son pseudo, il n’en manque pas en tant que scénariste pour la sitcom 30 Rock – VT0316 (Saison 1). Pour ses efforts, il a été récompensé par la Writers’ Guild of America quatre années de suite (récompenses partagées avec les autres scénaristes de la série). Le jeune Glover ne s’arrête pas là : il est également acteur dans l’hilarante sitcom Community et a eu un petit rôle dans Girls, la série hype du moment. KC4592 -Camp

·          Les jeunes fous

Peut-on encore surfer tranquille sans tomber sur le nom des Odd Future ? Ce collectif de rappeurs, chanteurs et producteurs âgés entre 17 et 25 ans sont un vrai pavé dans la mare. Instrumentations originales, textes délirants, vidéos démentes, sens de l’humour décoiffant, ces jeunes mettent les pendules à une nouvelle heure. Les figures principales sont le crooner R&B Frank Ocean et les rappeurs Earl Sweatshirt et Tyler, the Creator – KT9751. En 2012, ce collectif rajoute une corde de plus à son arc en créant Loiter Squad  sur la chaîne Adult Swim. A situer entre Jackass et Doggy Fizzle Televizzle. KO 1641 – The OF Tape Vol. 2

Mentions honorables :

Method Man dans The Wire (Sur Ecoute)

Common dans Hell On Wheels

Lord Jamar du groupe Brand Nubian, dans OZ

LL Cool J dans NCIS

Dès la fin de l’intro, une cloche sonne et c’est parti, on est pris dans une spirale paroxysmique. La guitare s’impose, saturation de sons qui s’emballent, percussions au bord de la crise d’épilepsie. La tension monte de plus en plus et lorsque cela explose, la guitare se lâche, les percussions nous tiennent à la gorge, l’ensemble nous oppresse et nous embarque dans sa folie jusqu’à la fin de l’album. Plus qu’un album de noise, il y a ici de vraies mélodies, un dialogue musical entre la guitare et les percussions, le tout est soutenu par des voix lointaines et lancinantes. Avec ce deuxième album, Electric Electric nous tient en haleine jusqu’à la dernière note.

Dooz Kawa « Messages aux anges noirs » (3rd Lab, 2012) – ND7510

Dooz Kawa est un poète strasbourgeois et un artiste plus qu’un simple rappeur. L’originalité est bien là, notamment grâce à son flow atypique et saccadé assez particulier. Ce poète jongle avec les mots et les images, son écriture sombre et décalée nous emmène dans les souvenirs de son enfance. Il joue avec des métaphores et références cinématographiques pour nous emmener dans son univers. On est loin ici des clichés du rap français qui envahit les ondes…

Céline Lambotte

Mais trêve de bavardages, je vous propose de découvrir ci-dessous la playlist "Sensation Pop". La sélection se veut  généreuse mais pas exhaustive. Une seule chose est sûre la relève semble assurée et les mois à venir pourraient nous réserver de belles surprises.

Avant de se lancer pour de bon, question de vocabulaire: c’est quoi une chanson pop? Réponse par l’exemple pour ne pas dire leçon par l’un des maîtres du genre.

Satori Pop Century d’Etienne Daho

Aline – « Regarde le ciel »

Lescop – « Lescop »

Granville – « Les Voiles »

Pendentif

Fauve

Mathieu Boogaerts – « Mathieu Boogaerts »

Albin De La Simone  – « Un homme »

Paradis

Robi – « L’hiver et la Joie »

Eléphant

Baden Baden – « Coline »

Lafayette

Séverin – « Séverin »

Cracbooms

A suivre en cd, en vinyle, sur le net et en live puisque la programmation des Nuits du Botanique est toujours aussi bonne! Mathieu Boogaerts, Lescop, Albin de la Simone, La femme, Fauve, …

A bientôt
Geoffrey

Dans la même lignée que l’album précédant (Never Better), P.O.S reste dans un hip-hop alternatif virulent.
Les premières secondes de l’album mettent le ton… Une batterie énervée nous donne un bon coup d’adrénaline, on comprend vite qu’on a affaire à du bon!
Un flow nerveux vient se poser sur des instrus bien foutus qui donnent la pêche. Des percus rock, des gros beats, des sons électro…
Cet album est très abouti. Il commence avec des couleurs plutôt punk, rock. Vers le milieu de l’album, il se dirige plus vers un son pop, avec comme invités Justin Vernon (chanteur de Bon Iver) ou Astronautalis; pour finir par foncer tête baissée vers une électro composée de beats, de basses saturées et de glitches…

"Never better" était déjà un très bon album, mais ici c’est carrément du caviar!

Karriem Riggins – Alone Together (Stones Throw Records, 2012) – KR4730

Malgré deux univers très différents, le rap et le jazz sont étroitement liés de par leur histoire commune. Ces deux mondes qu’a priori tout oppose font pourtant très souvent bon ménage. Son nom ne vous dira peut-être rien mais Karriem Riggins n’est pas novice en matière de musique. Avant tout batteur de jazz et membre du Ray Brown Trio, il a notamment joué avec Roy Hargrove, Donald Byrd ou Oscar Peterson.

Est-ce une suite logique d’aller voir ce qui se passe un peu plus loin…? Les frontières du monde du jazz sont très larges, mais sont bien là…Peut-être est-ce pour cela qu’il les a franchies en collaborant avec des artistes comme Erykah Badu, The Roots ou Talib Kweli.

Il signe ici son premier album, sûrement pas par hasard sur Stones Throw. Dans la lignée de Madlib, cet album instrumental est une longue succession de courts morceaux construits à partir de samples venant de tous les genres… et soutenus par une rythmique très présente.

Ce n’est ni un album de Rap, ni de Jazz, ni de Soul, ni de Funk…
Mais bien un mélange réussi de tout cela.

Céline Lambotte

La naissance de la photographie et l’émergence du mouvement impressionniste sont deux phénomènes très liés.

L’intention des impressionnistes, perpétuellement en quête de modernité, était de  rendre compte des mœurs de l’époque, de peindre les gens dans le contexte de leur quotidien. Ils voulaient faire des instantanés de la vie comme le font les photographes.

Ils aimaient rendre le mouvement réel, contrairement aux académistes qui peignaient en studio où les modèles restent statiques et… où il n’y a pas de vent! Ils ont ainsi donné vie a la tenue vestimentaire de l’époque.

Comme le dit Florence Müller,  historienne de la mode, le vêtement ne prend vie que si quelqu’un le porte, l’exposer sur un mannequin lui ôte son incarnation, il est destiné à être vu en mouvement. La peinture impressionniste nous permet ainsi de voir comment le vêtement prenait forme sur le corps de la femme ou de l’homme.

Le film analyse également le contexte culturel dans lequel les peintres travaillaient. En prenant l’exemple des travaux d’un photographe contemporain, une comparaison est faite avec ce que pourrait donner une photo de mode actuelle, si elle était réalisée dans l’esprit des impressionnistes.

Cette comparaison met en avant la modernité de cette peinture qui actuellement est malheureusement souvent vue comme "poussiéreuse" ou destinée à un public au goût mièvre.

L’image de la femme dans cette fin 19^e, son évolution ainsi que les contraintes exercées par les règles sociales sont relatées et laissent à réfléchir sur une image trop idyllique qu’on pourrait se faire de cette époque en admirant ces peintures par le philtre de notre regard d’homme "moderne" du 21e siècle.

Une vision très instructive de cette peinture sur laquelle on croyait déjà tout avoir dit. On peut également y voir le styliste Karl Lagerfeld, dessiner une robe à crinoline et nous faire l’éloge de l’esthétique de l’époque.

Très complémentaire à ce premier DVD, « Fashion ! », une série documentaire d’Olivier Nicklaus, éditée par Arte, reprend l’histoire de la mode depuis les années 80. Ici le phénomène de la mode est vu dans son aspect indissociable du climat social de chaque décennie concernée. La mode est le reflet d’un mode de vie dit Jean-Paul Gaultier.

Tous les plus grands modistes de ces trente dernières années sont interviewés. On peut ainsi entendre Karl Lagerfeld, que l’on à pu voir également dans "L’impressionnisme, éloge de la mode", parler de sa démarche et de ce qui le motive encore et toujours dans son travail.

Économie, bulle spéculative, production et contexte de mondialisation, la série passe en revue l’histoire économique de ce marché du luxe, avec ses mégas défilés et ses stars qui en assurent la couverture médiatique.

Un DVD qui plaira non seulement aux inconditionnels de la mode, mais également à tous les curieux de phénomènes socioculturels insolites ou extravagants.

« Impressionnisme, éloge de la mode », un film de Anne Andreu et Emérance Dubas & « Fashion ! », une série documentaire d’Olivier Nicklaus, sont des films qui se répondent et s’éclairent l’un l’autre par leur sujet et leur approche.

Eddy Maes.

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Emmanuel Krivine & Karine Deshayes – Orchestre Philharmonique du Luxembourg

N’en déplaise à Claude Debussy, qui disait de Maurice Ravel: «ce qui m’agace, c’est son attitude de faiseur de tours, ou mieux, de Fakir charmeur, qui fait pousser des fleurs autour d’une chaise. Malheureusement, un tour, c’est toujours préparé, et ça ne peut étonner qu’une fois», cet enregistrement m’a plu et je dirais même m’a quelque part charmé au vu des options d’interprétations choisies par Emmanuel Krivine qui, comme le dirait probablement Debussy a opté pour une interprétation digne d’un horloger suisse (ainsi Debussy parlait-il de Ravel à propos de la science qu’il possédait de l’orchestration). Et d’orchestrations, il en sera question dans cet enregistrement puisque Emmanuel Krivine à la tête de l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg nous propose un programme où se juxtaposent quelques unes des plus belles orchestrations que Ravel ait faites de ses propres œuvres initialement écrites pour piano: Alborada del Gracioso et Une Barque sur l’Océan (issues du recueil des Miroirs), Pavane pour une Infante Défunte (composée pour la princesse de Polignac en 1899 alors que Ravel est étudiant au conservatoire dans la classe de Gabriel Fauré. Aux côté de ces orchestrations nous retrouvons La Valse ou encore le non moins fameux Boléro avec lesquels Krivine s’engage dans la voie d’une vision des œuvres quasi mathématique sans emportement lyrique où l’équilibre instrumental et pointilliste de l’orchestre l’emporte sur une certaine emphase à laquelle l’on est parfois habitué avec ces œuvres.Avec la voix de Karine Deshayes dans Shéhérazade, on tombe, sans quitter la vision analytique du propos, dans l’envoûtement et le mystère propres à l’œuvre du poète Tristan Klingsor. En résumé, comme je disais au début de cet article, cet enregistrement m’a charmé. Ne pourra-t-il me charmer qu’une seule fois pour rejoindre le propos de Debussy, la chose reste à démontrer avec une écoute ultérieure … plus tard … afin de savoir pour moi même. Mais pour vous finalement, il suffit de tenter l’expérience auditive certains en seront certainement ravis alors que d’autres seront déçus par le trop de maniérisme apporté par Krivine à l’interprétation de l’œuvre «ravélienne» qui ne cessera jamais de nous charmer d’une manière ou d’une autre. (PC)

Trialogue – Dominique Vellard, Aruna Saïram, Nourredine Tahiri, H.N Bhaskar…

Dans toutes les grandes traditions musicales et spirituelles, le chant occupe une place essentielle et les chants de prière, ou les poèmes spirituels placent les hommes sur le même plan d’humilité, dans le même questionnement face aux desseins divins ou aux mystères de l’univers. Le programme de cet album est le fruit de la rencontre entre chanteurs et musiciens issus de trois différents répertoires traditionnels, ceux de l’Inde du Sud, du Maroc et de l’Occident médiéval. Après les premières plages qui présentent chacune une prière monodique d’une des trois cultures, les voix sont rejointes par une instrumentation mélodique, violon, oud, vièle à archet et percussion (mridangam et daf). Une rencontre spirituelle motivée par la même aspiration des artistes à ce qu’une entente pacifique puisse s’installer un jour entre les peuples. (FVW)

Plorer, Gemir, Crier – Ensemble Diabolus in Musica

Johannes Ockeghem est le compositeur majeur de la fin du Moyen Age. A sa mort il laisse une œuvre fondamentale. Plusieurs parmi les plus grands compositeurs de son temps lui rendirent hommage, ainsi, Josquin Desprez, Pierre de La Rue, Jacob Obrecht, Antoine Busnoys, et Johannes Lupus. Leurs œuvres d’hommage font l’objet de cet album. L’ensemble Diabolus in Musica rassemble des musiciens, chercheurs, spécialistes passionnés de musique médiévale dont ils rappellent qu’elle est le fondement de notre culture. (FVW)

Luz Del Alva – Chansons Espagnoles du début de la Renaissance

Cet album fait état de ce qu’était la chanson espagnole au temps des Rois catholiques, Isabelle de Castille et Ferdinand V d’Aragon (fin XVème début XVIème). Les chansons sont tirées de différents recueils manuscrits et chansonniers dont le plus célèbre est le Cancionero Musical de Palacio de Madrid, fruit du labeur d’un copiste qui y travailla durant quinze années. L’album nous éclaire sur les origines du style de ces chansons espagnoles qui étaient souvent écrites par des compositeurs-poètes et appréciées dans les cercles de la noblesse et de la cour.  Les interprètes de l’Ensemble La Morra en restituent raffinement et  délicatesse, le chant est accompagné de divers instruments, harpe, flûte, luth, vihuela, clavecin… (FVW)

Contributeurs:

Au service des collections :

Nathalie Ronvaux (NR) ~ Anne Genette (AG) ~ Andrée Forster (AF) ~ Marie de Wautier (MDW)

Jacques Ledune (JL) ~ Sébastien Biset (SB)

A le Média Bxl :

Françoise Vandenwouwer (FVW)

Philippe Cantaert (PC)

Jimmy Cliff dans le film The Harder They Come, 1972

La musique a énormément d’importance aux yeux des Jamaïcains. Dès les premières années d’indépendance, les Jamaïcains ont créé une musique bien à eux (le ska) en incorporant des éléments de leur musique populaire (le mento) au R&B américain.  Durant cette période de nouvelle indépendance, le patriotisme règne. En tant que « véritable musique du pays », le ska est très rapidement adopté par le public. Le ska et son rejeton le rocksteady sont diffusés au public international, mais c’est le reggae qui deviendra synonyme de Jamaïque notamment grâce à Jimmy Cliff et Bob Marley dans les années 1970. Par la suite le reggae  engendrera d’autres styles tels que le dub, le dancehall et le ragga. Malheureusement, derrière cet impact culturel mondial, en Jamaïque, les 50 dernières années ont aussi été infestées de violence, de pauvreté et surtout de corruption. Les festivités « Jamaica 50 » sont elles aussi enveloppées de querelles politiques…

Caricature parue dans le Daily Gleaner 20.06.2012

L’une des principales pommes de discorde est la question de la chanson officielle du cinquantenaire de l’indépendance. Une première chanson a été commandée, enregistrée et annoncée en octobre 2011. Il s’agit de Find A Flag (In Your Heart),  chantée par 10 artistes dont Tarrus Riley, Ken Boothe, Mr. Vegas et Marcia Griffiths. Plutôt reggae « à l’ancienne », cette chanson a été bien reçue car elle représente bien le son et l’esprit jamaïcains. Le hic, c’est qu’elle a été commandée par le Jamaica Labour Party (JLP) avant les élections de décembre 2011 qui ont entraîné un changement de majorité.

Caricature parue dans le Jamaica Observer le 21.06.2012

Tout le planning du cinquantenaire a immédiatement été bouleversé. La nouvelle Ministre de la Culture, Lisa Hanna, a commandé une autre chanson. Produite par Shaggy, On A Mission a attiré la colère des Jamaïcains malgré la présence de quelques stars bien aimées (Damian Marley, Romain Virgo, Wayne Marshall et Beres Hammond). A cause de ses touches contemporaines de techno et de hip hop, la chanson est jugée inappropriée pour marquer ce moment dans l’histoire du pays du reggae. Rajoutons à cela le fait qu’elle fait partie d’une campagne publicitaire de la chaîne fast-food Kentucky Fried Chicken ; on comprend la réaction des détracteurs et on imagine Peter Tosh se retourner dans sa tombe.

Mr Vegas

Mr Vegas, légende du dancehall, n’a pas fait économie de virulence dans un communiqué de presse : « Sans vouloir manquer de respect aux producteurs et aux artistes qui figurent sur cette chanson (On a Mission), mais si c’est cette musique qui représente le mieux nos 50 ans d’indépendance, alors il faut juste que je m’endorme sans plus jamais me réveiller. Les partis pris et le favoritisme sont si moches en Jamaïque, d’autant plus qu’ils n’essaient même plus de s’en cacher… ». Mr Vegas avait lui-même proposé une chanson à l’Office de Tourisme jamaïcain mais celle-ci est refusée. Le vétéran du dancehall a néanmoins sorti un double album intitulé Sweet Jamaica, dans lequel il explore l’héritage musical de son pays. Il s’agit d’une fusion de rocksteady, de ska, de dancehall et de roots reggae, dans des reprises de tubes classiques ainsi que dans des nouvelles compositions originales.

Reggae Music Again – Busy Signal
Cliquez sur l’image pour écouter dans une nouvelle fenêtre

Dans le même contexte, une autre parution nous intéresse : Reggae Music Again de la jeune étoile Busy Signal. Issu de la scène dancehall tout comme Mr Vegas, Busy Signal a lui aussi voulu faire le tour des différents styles jamaïcains dans son hommage patriotique à la musique. «Reggae music again, let we unite again … » chante-t-il dans la chanson éponyme.  Le message de Busy n’est pas que patriotique ; prenant exemple sur Bob Marley, Busy met en avant la musique comme élément unifiant et pacificateur.

Que ce soit le dub, le mento , le ska, le reggae ou le rocksteady, la musique a été la voix de la Jamaïque. Jimmy Cliff, Steel Pulse ou encore Burning Spear ont longtemps condamné la violence et les injustices économiques. La musique engagée a été un moyen d’encourager les citoyens à la positivité. Malgré ces discordes, la musique reste le plus grand export de cette petite île des caraïbes.

Suggestions vidéo :

K 7751 The Harder They Come, BMG, Jamaïque, 1972

VR5499 Rockers, MVD, Jamaïque, 1978

K 7540 Heartland Reggae Featuring the One Love Peace Concert, Sanctuary Visual, Jamaïque, 1978

Suggestions musique :

KB8771 Busy Signal, Reggae Music Again, VP, 2012 (Reggae/Dancehall)

KM8602 Mr Vegas, Sweet Jamaica, VP, 2012 (Reggae/Dancehall)

MF3071 Mento Madness – Motta’s Jamaican Mento 1951-56, V2, 2004 (Mento)

K 6305 Freedom Sounds – A Celebration of Jamaican Music. Trojan, 2012

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Valery Gergiev – Tchaikovsky Symphonies N° 1-3

Pour ses trois symphonies de jeunesse, Tchaikovsky s’inspire du folklore russe et de la nature environnante. Toutes trois sont expressives et le chorégraphe Balanchine utilisa le rythme dansant de la troisième pour son ballet "Jewels". MDW

Iestyn Davies – Arias for Guadagni

Pour son premier album solo, Iestyn Davies, contreténor anglais a choisi des airs du répertoire du célèbre castrat Gaetano Guadagni. Issu d’une famille de musiciens et formés par eux, Guadagni débarque à Londres en 1748. Il y rencontre Haendel qui le fait travailler, modèle sa voix selon l’exigence des rôles qu’il crée pour lui et le rend ainsi célèbre. Guadagni devient l’interprète privilégié d’Haendel. A Vienne il rencontre Gluck et devient l’Orphée du célèbre opéra du compositeur. Il portera ce rôle durant toute sa vie sur toutes les scènes de l’Europe. Devenu une vedette internationale il revient vivre à Padoue, finance des projets pour la ville, organise des festivals de musique et continue à chanter à la basilique. FVW

Johannes Kalitze – Die Besessenen (opéra)

Chef d’orchestre et compositeur, Johannes Kalitzke est né à Cologne le 12 février 1959. Il a étudié la composition avec York Höller et la musique électronique avec Ulrich Humpert avant du poursuivre ses études à l’IRCAM à Paris chez Vinko Globokar. Pour son quatrième opéra, Kalizke a adapté le roman de Witold Gombrowicz Les Possédés. La musique mêle des éléments tirés de la musique ancienne et de médias commerciaux avec le langage musical du compositeur. Commandé et produit par le Theater an der Wien, Die Besessenenn a été créé le 19 Février 2010 et c’est l’enregistrement de cet événement que propose ce disque. AG

Bruno Cocset - Fantazias in Nomine

Purcell n’a que 21 ans lorsqu’il compose les quinze Fantaisies pour violes. Il ne les a pas publiées de son vivant, la fantaisie pour ensemble de violes, genre jusqu’alors le plus abouti de la musique de chambre, laissant peu à peu la place à de nouvelles formes musicales. Purcell attache cependant à leur écriture, comme un adieu au genre,  une maturité et une profondeur de sensibilité doublée d’une véritable performance dans l’élaboration du contrepoint. Bruno Cocset  ressent dans la qualité de ces partitions comme « une recherche d’un temps révolu, où l’âme et la sensualité pouvaient se rencontrer dans des sphères spirituelles et intellectuelles sans artifice, pures… démarche d’intériorité qui nous touche dans notre rapport à l’intemporel, à l’union des sens et du céleste, à la question de l’infini.»  FVW

Contributeurs:

Au service des collections :

Nathalie Ronvaux (NR) ~ Anne Genette (AG) ~ Andrée Forster (AF) ~ Marie de Wautier (MDW)

Jacques Ledune (JL) ~ Sébastien Biset (SB)

A le Média Bxl :

Françoise Vandenwouwer (FVW)

Philippe Cantaert (PC)

Brian Greene est professeur de physique et de mathématiques à l’université Columbia de New York depuis 1996.

Son premier livre « L’Univers élégant », paru en 1999, est un ouvrage de vulgarisation scientifique qui traite de la théorie des cordes.

Cette théorie fait le postulat qu’au niveau subatomique la matière est constituée de cordelettes vibrant à des fréquences spécifiques pour chaque sorte de particule élémentaire.

En fournissant une description du monde de l’infiniment petit qui intègre la « gravité quantique », elle est sur le point de résoudre le problème de l’incompatibilité des équations de la relativité générale d’Einstein avec celles du modèle standard de la physique des particules.

Dans son second livre paru en 2004, "La Magie du cosmos", Briane Greene traite avant tout de la nature de l’espace et du temps en détaillant les expériences qui ont été à la base des dernières découvertes sur leur nature.  La théorie des cordes nécessite en effet pour être viable une redéfinition de la manière dont nous percevons l’espace qui nous entoure. Cette redéfinition ne va pas sans heurter notre bon sens commun car elle suggère l’existence de dimensions supplémentaires cachées.

Ce livre de près de 700 pages est un véritable tour de force en matière de vulgarisation scientifique. C’est un ouvrage de réflexion et de méditation sur la réalité de nos perceptions. Un exercice de conceptualisation soutenu par des bases mathématiques très sérieuses.

Je salue ici au passage les talents de la traductrice, Céline Laroche, car dans ce genre de matière le verbe peut facilement rendre le travail plus confus qu’il ne l’éclaire.

Les deux séries éditées par Arte comprennent 4 épisodes de 50 minutes pour "La Magie du cosmos" et 3 épisodes de 40 minutes pour "L’Univers élégant".

Comparé aux 700 pages du premier livre et aux 400 du second, la série doit forcément comprimer les données.

Néanmoins tout y est résumé avec brio et Brian Greene arrive à faire passer ses théories scientifiques visionnaires avec beaucoup de clarté. Il évite les métaphores trop peu développées ou trop puériles qui caractérisent trop souvent la vulgarisation scientifique traitée sous forme  audiovisuelle.

Une série qui, je crois, plaira à tous ceux qui ont aimé la lecture des deux premiers livres de l’un des plus grands spécialistes de la théorie des cordes.

Briane Greene fait une apparition en tant que « guest star» dans la très amusante série « The Big bang theory ». Cette série met en scène une équipe de jeunes chercheurs « nerds » de Caltech – Léonard, Sheldon, Howard et Rajesh – confrontés au charme et bon sens de leur voisine de palier Penny. Il y joue son propre rôle lors d’une conférence où le personnage principal de la série, Sheldon, l’interpelle sur la pertinence de son discours.

Eddy Maes.

Briane Greene vient de publier son troisième livre," La Réalité cachée  "

Détails, résumés et disponibilités

La magie du cosmos & l’univers élégant – présentées par Brian Greene

The Big Bang theory (cinq saisons)

Classé dans:As de pique, Cinéma (fiction), Documentaire, Eddy Maes Tagged: Arte, Astrophysique, énergie du vide, Brane, Brian Greene, Caltech, Céline Laroche, Constante cosmologique, Cosmos, Energie noire, Espace-temps, Gravité Quantique, Howard Holowitz, Kaley Cuoco, Leonard Hofstadter, Modèle standart, Multivers, Particule élémentaire, Penny, Physique quantique, Rajesh Koothrappali, Relativité générale, Saut Quantique, Sheldon Cooper, Théorie des cordes, The Big bang théory, Univers, Univers parallèle ]]> http://lamediabxl.wordpress.com/2012/12/29/la-magie-du-cosmos-lunivers-elegant-par-briane-greene/feed/ 0 La média de bxl 39207 9782221090657 9782221095553FS K8389_0_galerie fabric_cosmos-BG-confronts-self jackpot-pour-les-big-bang-theory-562 9782221109946 http://lamediabxl.wordpress.com/2012/12/07/old-school-jams-les-chouchoux-du-k-3/ http://lamediabxl.wordpress.com/2012/12/07/old-school-jams-les-chouchoux-du-k-3/#comments Fri, 07 Dec 2012 14:08:22 +0000 La média de bxl http://lamediabxl.wordpress.com/?p=18559 Lire la suite →]]>

Les présentoirs de la médiathèque regorgent d’albums de toutes époques, origines et styles… De temps en temps, une mise à jour s’impose ! C’est à nous, les médiathécaires, d’assurer que les collections restent attractives et up-to-date. C’est ainsi que nous examinons régulièrement les listes des titres qui n’ont pas été empruntés depuis trop longtemps pour ensuite décider de leur sort. Certains sont envoyés aux archives et restent disponibles à l’emprunt. Quant aux médias dont un exemplaire est déjà présent aux archives, nous les mettons en vente. C’est de là que proviennent les médias que vous, les membres, pouvez acheter. Il reste encore les médias que nous choisissons de garder dans nos collections, ces albums qui ont été occultés par les titres à plus grand succès. Voici quelques albums « coup de cœur » qui gardent leur place dans la collection.

HIP HOP

K 7287 True Notes, Vol. 1 . Okayplayer, 2004

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Okayplayer, c’est un vaste projet fondé en 1999 par Amir « ?uestlove » Thompson, le leader des Roots. Au départ collectif centré autour d’un site web,  Okayplayer a évolué en label à part entière (en collaboration avec le label Decon). Des artistes engagés tels que Dilated Peoples, Talib Kweli et Blackalicious se sont rapidement associés à ce projet qui a pour mission de soutenir  des artistes  émergents. ?uestlove assure la production de chaque morceau de cette compilation. Il a en outre sélectionné avec les autres Roots les artistes à présenter. On reconnaît d’ailleurs facilement la touche ?uestlove, les beats rebondissent comme il faut ! RJD2, Madlib, Aceyalone sont présents ainsi qu’une brochette d’autres MCs étonnants et relativement peu connus.  Vous pouvez également faire un tour sur okaylayer.com pour entendre des sons sympa.

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KC6050 Clubroot, Clubroot. LoDubs, 2009

Entre le dub et le dubstep, une écoute fantomatique et frissonnante. Découvert par Mary Ann Hobbs en 2006, Clubroot a fait ses débuts dans la Drum & Bass et est fortement influencé par la bass music britannique (2-step, dubstep, etc.). Le jeune Londonien nous plonge dans une ambiance éthérée downtempo empreinte d’une tristesse douce-amère à la Burial. Des nappes électroniques furtives et volantes tournent autour de l’auditeur comme des petits farfadets pour un effet garanti « froid dans le dos ».  Les basses traînantes, sombres et langoureuses sont évocatrices d’une journée froide et grise dans une métropole post industrielle.

FUNK

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KT9010, 24-Carat Black, Ghetto: Misfortune’s Wealth. Stax, 1995 (Enregistré en 1973)

Album concept à situer entre la comédie musicale et le funk opéra. La musique a été arrangée par un certain Dale Warren, neveu par alliance de Berry Gordy et auteur-compositeur chez Motown et chez Stax. C’est à Warren qu’Isaac Hayes doit quelques-uns de ses plus dramatiques arrangements d’instruments à cordes, notamment sur l’album Hot Buttered Soul. Pour son album funk-concept, il ne lui manquait plus qu’un groupe de musiciens-interprètes. Il a choisi les jeunes Ditalians, qui après quelques mois de répétition sont devenus les 24-Carat Black. Le disque a été enregistré en une seule session de 12heures.  Les arrangements glissent aisément entre différents registres : on passe du gospel au spoken word sans heurts dans cette épopée qui se veut un témoignage du quotidien du ghetto. C’est une écoute plus qu’intéressante. Les arrangements harmonieux sont riches en émotion.

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    ROCK N ROLL

KM1629 Janis Martin, The Female Elvis – Complete Recordings 1956-60. Bear Family, 1994 (Enregistré 1956-1960)

La stratégie marketing du label RCA était de présenter cette jeune chanteuse comme « Elvis, en fille ». Alors que les similitudes sont nombreuses (même façon de chanter, mêmes gestes de danse sur scène), Janis Martin mérite largement d’être considérée comme une artiste à part entière. Issue de la scène country, elle a été rapidement envoûtée et influencée par le style rockabilly émergent.  Son public d’origine n’approuvait guère ses performances scéniques voluptueuses, jugées indécentes venant d’une si jeune femme (elle n’avait que 17 ans à l’apogée de sa carrière). Alors qu’Elvis a pu faire tomber le mur du puritanisme par son charme, c’était loin d’être aussi simple pour Janis Martin et sa carrière en a malheureusement souffert. Cette compilation reprend ses plus grands succès et nous donne l’occasion d’entendre une jeune voix riche et pleine d’entrain. A l’écoute, on passe  du Rock n’ Roll énergique à des ballades country langoureuses ; Janis maîtrisait ces deux styles.  Pour l’anecdote, elle a été signée un petit temps sur le label belge Palette !

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SOUL

KB 0242 Baby Huey, The Baby Huey Story : The Living Legend . Water, 2004 (Enregistré en 1969)

Sa voix d’une puissance sensationnelle et féroce vous rappellera sans doute celle d’Otis Redding. Pesant près de 200kg, ce flamboyant personnage souvent vêtu de soie ou de satin bariolé est décédé d’un arrêt cardiaque à l’âge de 26 ans sans avoir vu la parution de ce qui devait être son premier album en 1971. Son chant est captivant : il grogne, hurle, gémit avant d’adoucir le ton pour des passages plus tendres. Sa voix est soutenue par son groupe de funk attitré : les Baby Sitters. Entre funk et psychedelic soul, les Baby Sitters  se défendent merveilleusement bien avec leurs arrangements fermes et rigoureux. C’est Curtis Mayfield qui a assuré la production étourdissante de chacun des morceaux sur ce disque. La reprise de A Change is Gonna Come (Sam Cooke) , beaucoup plus longue que la version d’origine,  est une réappropriation surprenante qui ne manquera de vous secouer.

A bientôt!

Emina

It might get loud est une rencontre entre trois guitaristes réputés dans le monde du rock. Trois générations, trois visions différentes de la guitare électrique.

The Edge, guitariste du groupe U2, conçoit son rack à 3000 effets comme un cerveau capable de transcrire les images et les paysages peints par son imagination.

Pour Jack White, guitariste du groupe The White Stripes, la technologie détruit l’émotion et la vérité, les possibilités n’aident en rien la créativité.

Sa démarche consiste à tirer le meilleur possible d’un mauvais instrument, en plastique, désaccordé ou au manche vrillé, afin de booster son inspiration et ainsi laisser une grande place à la spontanéité organique du son, qui ne peut en aucun cas surgir selon lui avec un instrument de qualité ou facile à jouer.

Jimmy Page, qui fut jadis guitariste du légendaire groupe Led Zeppelin, nous parle des qualités tactiles et expressives que procure la guitare électrique, rendues possibles grâce à l’amplification. Le mouvement… le clair et l’obscur… le murmure et le tonnerre…

Chacun dans ce film exprime à sa façon ce qui le fascine, l’émeut, le passionne dans l’utilisation de son instrument.

The Edge relate ses débuts à Dublin, l’économie croulante, la violence. J. White creuse et retrouve les racines du blues, Jimmy Page relate le Skiffle en tant que mère nourricière du rock.

Commentées par nos trois musiciens avec anecdotes et impressions à l’appui, un tas d’archives nous montrent des séquences avec Led Zeppelin, The White Stripes, U2 ou d’autres formations auxquelles ils ont participé.

Pas besoin d’être fan de l’un ou l’autre de nos trois acolytes pour apprécier ce film, il raconte une histoire… ou plutôt trois histoires, trois destinées qui dans les faits ne se sont pas recoupées mais qui partent d’une même passion partagée, d’un même amour de l’instrument.

Il offre trois réponses différentes données aux questions de l’intuition, de la composition, de la créativité et de l’inspiration.

Eddy Maes

Résumé, détails et disponibilité

Guitariste multidisciplinaire, Hughes Kolp touche à tous les répertoires.
Noël Godts  évoquera avec lui l’histoire et l’évolution de la guitare afin d’aborder son utilisation spécifique dans le répertoire d’aujourd’hui.
Hughes Kolp interprétera pour l’occasion quelques pièces de son choix parmi des œuvres de Coeck, Dowland, Ledoux & Villa-Lobos…

Pour en savoir plus, n’hésitez pas à nous rejoindre vendredi! Vous pouvez également consulter le site d’Hughes Kolp ou découvrir un bel aperçu du parcours de cet artiste passionné dans l’entretien réalisé par Isabelle Françaix: « Hugues Kolp – L’intégrité du geste ».

Les rendez-vous de la médiathèque de Bruxelles-centre – Dans les cordes… Avec Hughes Kolp – Concert-rencontre animé par Noël Godts

Vendredi 30 novembre 2012 à 18h30 – Passage 44, Boulevard du Jardin Botanique 44 – 1000 Bruxelles

Accès gratuit, réservation souhaitée sur bxlcentre@lamediatheque.be  ou au 02 218 44 27

La semaine dernière, au Wiels, j’ai eu l’occasion de voir l’expo du photographe Leigh Ledare, connu pour son travail provocateur. Cet Américain, qui met en scène ses proches et lui-même, peut en ébranler plus d’un. Quand on sait qu’il photographie sa mère dans des positions érotiques ou pendant ses ébats sexuels, on peut imaginer la couleur de l’expo !

Leigh Ledare « Mom and me in Thrift store », 2005

Oui, il est cru et tout aussi choquant que le photographe et réalisateur Larry Clark, dont il a été l’assistant pendant plusieurs années. On peut découvrir la filmographie de ce dernier à la médiathèque et sans conteste remarquer son influence sur Ledare. J’ai visionné deux de ses films : Le premier, Kids, où est dépeinte une jeunesse new-yorkaise débridée. Sur fond de viol, drogue, et apparition du sida, il nous montre la violence qui peut émaner d’un groupe d’ados (pour certains pré-pubères). Le second, Ken Park, plus sensible, nous fait entrer dans la vie d’ados. Ils tombent amoureux, vivent des expériences sexuelles et traversent l’adolescence avec toutes les jouissances et dérives qu’elle peut engendrer. Mais ce sont aussi des jeunes dans un environnement familial désagréable  qu’ils ne peuvent plus supporter. Ils réagiront tous à leur manière : par le meurtre, la fuite ou d’autres échappatoires.

Ce qui réunit ces deux artistes c’est qu’ils s’intéressent tous deux aux rapports humains, questionnent leurs limites et les transgressent. Ils nous dévoilent l’intimité humaine comme on n’en a pas l’habitude. Pourtant nous sommes accoutumés à voir des corps dénudés dans l’art (peinture, photo, cinéma). Qu’est-ce qui nous choque dès lors dans le travail de ces artistes ? C’est qu’ils traitent des tabous de notre société. Ils nous montrent ce dont on n’ose parler. Que ce soit de la sexualité des personnes âgées et des plus jeunes, de l’abus de drogue ou des expériences érotiques… C’est comme si ces artistes nous disaient : ne vous voilez pas la face. Derrière toutes les façades que les gens essaient de se donner se cachent beaucoup de choses… et oui ces choses existent !

Ledare dévoile l’intimité de ses proches (consentants). Plus particulièrement en nous rendant témoins de la relation  ambigüe qu’il entretient avec sa mère. Sujet de ses travaux depuis plusieurs années, cette ancienne danseuse de ballet s’offre sans pudeur aux yeux de son fils. Dans le projet « Pretend You’re Actually Alive » Ledare éternise les fantasmes maternels. D’une part aguicheuse et vulgaire, d’autre part attendrissante et perdue, il nous présente sa mère telle qu’elle voudrait être et telle qu’elle est… mais est-ce réel ou fictif ? Joue-t-elle la comédie ? C’est cette ambivalence qui fait tout l’intérêt du travail de l’artiste.

Au premier abord, on est déconcerté par le caractère cru des images. L’histoire de la photographie ne connaît que peu d’exemples comme celui-ci. Je pense à Larry Clark évidement mais aussi à Nabuyoshi Araki, Nan Goldin ou Robert Mapplethorpe. Mais ce qui peut nous paraitre dérangeant, ce n’est pas tant la nudité ni la laideur de la vieillesse ou les gestes sexuels mais plutôt le regard porté sur le modèle. Ce n’est pas un photographe quelconque, c’est un fils qui prend des clichés de sa mère ! (nue et dans des postures érotiques)

C’est bien cela  qui est intéressant et qui apporte quelque chose de nouveau par rapport à la nudité de la femme dans l’histoire de l’art. Dans la peinture et la sculpture, la femme dénudée a souvent été idéalisée ou déformée pour être embellie. Elle a aussi été représentée au naturel avec ses rondeurs et imperfections. Parfois (r)habillée selon l’époque et ses convictions. Décomposée par les cubistes. Sublimée ou dans son plus simple appareil en photographie. Dadaïsée pour certains (Man Ray en est un exemple), érotisée pour d’autres et j’en passe… Tout ces nus ont séduit un jour ou un autre ces artistes. Peut-on parler de séduction entre une mère et son fils ? Peut-être oui, peut-être non ? C’est cette ambigüité qui est intrigante. Cette relation filiale entre un artiste et son modèle donne tout son intérêt à l’œuvre. Le nouvel apport aussi, selon moi, vient du comportement du modèle. Dans la plupart des cas, il pose, l’artiste lui dicte ses gestes ou lui laisse une partie d’interprétation. Ici, j’ai l’impression que c’est la mère qui mène le jeu et qui décide de ce qu’elle va offrir aux yeux de son fils.

De plus, la nue en question est âgée. Il existe, dans ce cas-ci  d’autres exemples d’artistes. Je pense à Lucian Freud peignant des nus (jeunes et vieux) dans des positions non avantageuses.  Le résultat est picturalement et expressivement magnifique. Au-delà de la laideur transparaît la sensibilité du modèle. Mais je pense que l’impact est moins grand que face au travail de Ledare. On se trouve devant une photographie et l’impression de réalité en est agrandie. On ne retient pas la laideur dans les clichés, où la mère apparaît vieillissante mais plutôt la fragilité inattendue que dégage la photo. En bref au-delà du repoussant peut ressortir une autre beauté. Ce qui diffère également ce sont les scènes érotiques. La pornographie dans les films et magazines parait finalement plus habituelle et moins crue que dans le cadre d’une exposition !

Dans l’exposition en question, mon coup de cœur va à « Double Bind ». Plus soft et d’une belle qualité esthétique, c’est un projet où Ledare a passé 3 jours à la campagne à photographier son ex-femme. Ensuite il a proposé au nouveau mari (lui aussi photographe) d’en faire de même. Au travers des nombreux clichés se confrontent le regard de deux hommes et les comportements (différents ou non) du modèle…

Leigh Ledare, « Pretend You’re Actually Alive », 2000-08

Leigh Ledare, « Double Bind », 2010

Larry Clark, lui, met à nu la sexualité des jeunes (trop jeunes) et traite le thème de la violence d’une manière assez dure. En 2010, sa rétrospective à Paris avait créé la polémique et avait été interdite au moins de 18 ans. Ces sujets sont souvent troublants mais jamais gratuits. Il nous relate la vie de certains jeunes et même si c’est dur à voir et difficile à croire, peu importe, il veut montrer cette réalité. « Oui il y a du sexe et de la nudité, mais ça fait partie de la vie…. Dans le contexte de mon travail, ce n’est pas de la pornographie, ce n’est pas une mise en scène faite pour titiller, c’est la vie » commente Larry Clark. Pour lui : « Cette censure est une attaque des adultes contre les adolescents. C’est une façon de leur dire : retournez dans votre chambre ; allez plutôt regarder toute cette merde sur Internet. Mais nous ne voulons pas que vous alliez dans un musée voir de l’art qui parle de vous, de ce qui vous arrive. ». Il met donc l’accent sur une société qui préfère rester aveugle plutôt qu’affronter la réalité.l

Il porte son intérêt sur le passage de l’adolescence à l’âge adulte avec toutes les incertitudes et faiblesses qu’il peut engendrer. Aussi, il nous montre comment les jeunes réagissent face à une société qu’ils ne comprennent pas, qui les malmène ou encore qui ne peut plus leur offrir des limites. On le voit bien dans « Ken Park ». Ils s’amusent, s’éclatent et se créent un univers secret et méconnu des adultes pour mieux s’en écarter. Ainsi échappent-ils à leurs problèmes. Ils rêvent d’un monde meilleur où ils seraient totalement libres et passeraient leur temps à faire l’amour et c’est cette utopie qui leur permet d’avancer. Larry Clark nous met face à des personnages de prime abord confiants et fonceurs. Mais au-delà de la dureté de leurs actes ou de l’image qu’ils donnent, ressort finalement leur vulnérabilité et sensibilité.

Larry Clark, "Billy Mann"

Larry Clark, "Billy Mann, 1963"

En bref, face aux images de Ledare et Clark, on a le sentiment d’être voyeur et c’est en l’occurrence de cette manière qu’ils nous incluent dans leur œuvre. A l’heure de Facebook, autres réseaux sociaux et téléréalité, je ne peux m’empêcher de faire des parallèles avec notre société. Qu’est-ce qui est réel ou fictif ? Outre le fait d’être un peu dérangée par certaines images, les thèmes choisis interpellent et proposent de remettre en question notre système. Ils interrogent aussi notre regard et le statut de l’image à notre époque. L’art est dérangeant mais c’est bien là une de ses fonctions, non ?!

L’exposition de Leigh Ledare est à voir au Wiels jusqu’au 2/12 : http://www.wiels.org/

La filmographie de Larry Clark :

ANOTHER DAY IN PARADISE - VA5113 / BULLY - VB8771 / KEN PARK - VK1996 / KIDS - VK0040 / WASSUP ROCKERS - VW0008

La restauration du retable de l’agneau mystique des frères Hubert et Jan van Eyck vient de débuter ce 2 nov. 2012.  (Voir l’article de la RTBF à ce sujet).

C’est l’occasion de se pencher sur les évènements historiques qui, de 1940 à la Libération, ont  perturbés la vie de l’œuvre, ainsi que celle de tant d’autres.

Le musée d’Hitler – L’art pillé par les nazis, un film d’Hannes Schuler.

…Le 27 août 1939 une colonne de camions quitte Paris de nuit pour une destination inconnue, sur les genoux du passager de l’un des véhicules, un tableau emballé à la hâte, La Joconde…

Hitler voulait construire à Linz le plus grand musée d’art occidental qui ait jamais existé. Il mit sur pied une organisation destinée à racheter toute les œuvres dignes de faire l’orgueil de l’Allemagne.

Le directeur de musée Hans Posse fut chargé de cette mission avec le plein pouvoir et un budget quasi illimité.

Des sections spéciales étaient chargées d’acheter les œuvres sélectionnées et de les rapatrier en Allemagne. Par la suite, une fois en pays conquis, des commandos pilleurs étaient chargés de récupérer dans les collections et les musées ce qui n’avait pu être sauvé à temps.

Le retable de l’agneau mystique des frères van Eyck était lui aussi très convoité par les Nazis. Il prit de justesse la route le jour même de l’invasion de la Belgique le 10 mai 40. Destination le Vatican, mais des péripéties allaient modifier son itinéraire initial.

C’est toute l’histoire, dans l’ombre de la guerre, de cette collecte d’œuvres par les Nazis ainsi que la course à la récupération par les  forces alliées que relate ce film étonnant.

Le film pose indirectement la question de la valeur de l’art, qui est non seulement esthétique, monétaire ou affective, mais également politique, éthique, sociale ou religieuse, d’où les nombreux saccages commis en temps de guerre.

C’est également un bel hommage à Rose Valland, conservatrice du musée du Jeu de Paume qui, par son travail de recensement clandestin, permit aux alliés de retrouver une grande quantité de ces œuvres.

Eddy Maes

Le musée d’Hitler – L’art pillé par les nazis, un film d’Hannes Schuler

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« Ils ne mouraient pas tous, mais tous étaient frappés », un film de Sophie Bruneau & Marc Antoine Roudil

Deux documentaires récents qui ne vous feront probablement pas siffloter les premières strophes de l’air bien connu…le travail c’est la santé…

Le monde du travail est en crise ! De jour en jour, la précarité gagne du terrain et fait fondre comme neige au soleil la masse de la classe dite moyenne.

Cadences infernales, salaires précaires et déstructuration du tissu social sont justifiés par une nécessaire compétitivité qui paradoxalement gonfle scandaleusement le portefeuille des gagnants de cette course effrénée.

Le premier film, « La gueule de l’emploi » est un huis clos dans lequel on assiste à une séance de recrutement destinée à dénicher le vendeur idéal pour une société d’assurances.

Deux jours de tests intenses pour détecter qui des dix candidats sera le meilleur pour ce job.

Stress, mise à l’épreuve, et même humiliations, tout est bon pour tester et décourager les moins tenaces.

Une telle débauche de moyens en temps et en personnel mis en œuvre pour trouver LA personne idéale, taillée sur mesure pour ce job, suggère bien que les recettes engendrées par les ventes seront à la hauteur des espoirs de la firme recruteuse…Mais qu’en sera-t-il du salaire attribué au vendeur?

Le second film, « Ils ne mouraient pas tous mais tous étaient frappés » est également un huis clos. Les séquences sont tournées dans trois hôpitaux de la région parisienne ou l’on accueille des patients dont les troubles sont causés par le milieu professionnel.

Quatre personnes sont écoutées par différents médecins, afin de comprendre les véritables raisons qui sont à l’origine de leurs souffrances. L’objectif étant bien sûr de trouver l’issue la plus appropriée.

La dernière partie du film est un entretien avec les médecins qui ont reçu les patient ainsi qu’avec un spécialiste de la question.

La séquence est très instructive et ouvre des pistes qui permettront d’aborder les raisons pour lesquelles le contexte professionnel actuel cause tant de soucis aux travailleurs.

Deux documentaires qui laissent à réfléchir sur la dérive du monde économique et social de notre vieille Europe.

Eddy Maes.

« La gueule de l’emploi », un film de Didier Cros

« Ils ne mouraient pas tous, mais tous étaient frappés », un film de Sophie Bruneau & Marc Antoine Roudil

Mais il ne s’agissait pas d’un documentaire concernant cet artiste en question. Soit ! Les croquis suffisent à me donner l’envie de l’emprunter. J’ai donc découvert le travail du plasticien japonais Tadashi Kawamata. Il construit également des structures éphémères, la plupart du temps en bois : sorte d’amas, de juxtaposition de planches, palettes ou objets usuels qui viennent se frotter au tissu urbain déjà existant.

WORKS & PROCESS – TADASHI KAWAMATA (Documentaires, Arts Plastiques, TC9142) est une rétrospective de l’œuvre de l’artiste suivi de documentaires présentant neuf de ses projets. Le deuxième dvd nous montre ses débuts et premiers travaux.

Au niveau formel, c’est à chaque fois, impressionnant voire imposant mais toujours subtil. En effet, l’artiste n’insère jamais son installation dans un lieu public sans s’y être intéressé auparavant. Le contexte importe beaucoup. Il y a soit un lien avec l’histoire de la ville (cf, « Barquitos, Valencia »), soit un but social ou les deux à la fois tel que le montre le projet « Sur la voie à  Evreux ».

Il n’y a pas que l’œuvre en soi qui ait de l’intérêt mais aussi tout ce qui passe autour.

Imaginez-vous une place remplie d’énormes planches, d’échafaudages et d’ouvriers s’afférant au montage de l’installation… Les habitants, intrigués parfois perplexes s’arrêtent et questionnent. Reviennent voir l’avancement du chantier, rencontrent d’autres passants et finissent par discuter, bavarder. D’autres en viennent même à aider. Une fois le montage terminé (plusieurs semaines après), les habitants sont globalement contents du résultat. Pas toujours convaincus de la beauté de l’œuvre mais satisfaits de l’évènement qui s’est crée autour d’elle. L’artiste ne met donc pas l’accent que sur l’objectif (la sculpture) mais aussi sur le processus (le montage). « C’est une sculpture sociale que l’on fait » comme le disait un bénévole interviewé sur le chantier.

Le côté participatif a aussi son importance. Dans ce cas-ci, il s’agissait d’une passerelle située à 5 mètres du sol. Les habitants étaient donc invités à y déambuler et à découvrir la place sous un autre angle…

Le dvd est relativement long (5h) mais le menu vous permet de choisir un projet et d’ainsi faire une présélection.

Malheureusement pas de  Kawamata  à Bruxelles mais il reste une sculpture (encore là jusqu’en 2013) de l’artiste Arne Quinze. A voir rue de Louvain, à côté du parlement flamand. Jetez-y un œil ça vaut le détour.

Kawamata, « Sur la voie » à Evreux (2000)

Arne Quinze, « Sequence » à Bruxelles (2008)

Pour plus d’informations sur ces deux artistes :

Arne Quinze : http://arnequinze.com/

Tadashi Kawamata : http://www5a.biglobe.ne.jp/~onthetab/

Katia Czubic

10 ans plus tard voici une nouvelle collaboration entre le Japonais Ryoji Ikeda et l’allemand Carten Nicolai, plus connu sous le nom de Alva Noto. C’est un album assez fidèle à leurs univers respectifs. Véritable tableau sonore fait d’ondes, il s’agit d’une musique aux boucles mathématiques aléatoires. Mais n’allons pas trop dans l’abstrait et la philosophie c’est avant tout un album fait de musique qui s’écoute !
Couche par couche les sons s’accumulent, se percutent, s’entremêlent et s’accélèrent pour nous offrir une musique hybride. Passant par l’électro minimale, l’expérimental, les rythmes technoïdes… Les séquences d’infra-sons, se heurtent aux glitches et super bass, pour finir en sorte de drone électronique.
Cette musique, qui à la première écoute semble faite de rythmes illogiques et de  tempos variables, est en fait étonnamment entrainante et même dansante !

Jeremiah Jae – Raw Money Raps (Brainfeeder, 2012) – KJ2260

Après pas mal de bruit et de buzz sur internet, c’est finalement Flying Lotus qui lui propose un contrat sur Brainfeeder. Ce premier album s’intègre et trouve sa place dans cette nouvelle vague de hip-hop brumeux aux sons futuristes et psychés. Dans la lignée de Samiyam ou Shabazz Palaces, on a affaire à un puzzle de courts morceaux faits de collages sonores assez éclectiques mais très réussis. Un bordel cohérent de flow tranquillement rappé, de samples et de voix fantomatiques, de soul et mélodies électroniques, de refrains entrainants et de petits chuchotements … Encore un album qui donne une autre image au hip-hop, fait de sons nouveaux et travaillés, à la fois complexe et simple, tout en restant dansant !

Céline Lambotte

C’est un dimanche matin, dans un brouhaha post-petit-déjeuner, que le poste de radio, calé sur Stubru, diffuse jusqu’à mes oreilles quelques discrètes mesures de piano. Du son qui active immédiatement quelque région de mon cerveau et provoque à la fois une émotion et un souvenir : I Say A Little Prayer, Aretha Franklin, sur son formidable album Aretha Now paru en 1968, un des plus beaux chants de la musique populaire.

A l’émotion succède la surprise parce que le morceau ne se développe pas comme attendu et c’est la voix de Justin Vernon, nom de scène Bon Iver, qui prend place sur le magnifique piano de la version originale, suivi d’un rap assez dynamique. Bon Iver reprend 2 fois son couplet et le morceau s’evanouit.

Ce petit montage tout simple qui s’apparente à un tour de force, c’est le rappeur américain Oddisee qui le signe sur un EP à écouter en ligne ou à télécharger.

Oddisee, Paralyzed, 2012, http://oddisee.bandcamp.com/

Parcours atypique pour cet ancien skateboarder professionnel qu’est Duane Pitre. Passé par une passion pour le shoegazing de My Bloody Valentine, il se trouve aujourd’hui à la croisée du rock et de la musique contemporaine, travaillant les interactions entre logiciels et musiciens jouant en temps réel.

Feel Free est un continuum qui se développe dans une grande sérénité. Les guitares et les autres instruments à corde progressent par touches, parfois ensemble, parfois distincts. La composition s’insère dans la suite du courant minimaliste américain (Terry Riley, Steve Reich, Morton Feldman) et touche de manière très directe l’auditeur.

Duane Pitre, Feel Free, 2012

La mémoire musicale est un processus qui peut fasciner. Pourquoi, un soir, mon cerveau m’instille-t-il l’envie d’écouter l’album Valentino de Long Fin Killie ? Un jeu d’associations certainement, bien qu’absolument rien dans l’actualité n’évoque de près ou de loin ce groupe singulier.

Groupe écossais mené par un chanteur d’origine africaine, Luke Sutherland, Long Fin Killie n’a connu qu’un succès d’estime à la moitié des années 90. C’est sans doute normal, vu la qualité tout à fait atypique de sa musique. Il créait un rock aux rythmiques complexes, marqué par l’usage du violon, mais surtout transpercé par les narrations des chansons qui jouaient sur la tension et ses variations. Bien souvent on croit entendre Sutherland en manœuvre de subjugation, d’hypnose, et piégeant l’auditeur captif, tantôt par surprise, tantôt en augmentant progressivement et inexorablement son emprise. C’était impressionnant en 1996 et cela le reste aujourd’hui (et tout particulièrement sur le dernier tiers de l’album).

Là où en général la musique populaire joue de la tension comme une manipulation de masse (de Smells Like Teen Spirit de Nirvana à I Gotta Feeling des Black Eyed Peas), obtenant des foules des réactions stéréotypées par des procédés stéréotypés, Luke Sutherland installait par la voix et le violon la relation de manipulation au niveau individuel. Il est aujourd’hui un écrivain d’un certain renom dans le monde anglo-saxon, ce n’est sans doute pas étonnant.

Long Fin Killie, Valentino, 1996

Comme pour la rentrée, la médiathèque vous fait découvrir "Beat Bang"  je vous propose une majorité de nouveautés electro.  J’ai rempli consciensieusement tout un présentoir dans lequel vous pouvez aller farfouiller et vous remplir les oreilles de tous ces bons disques qui ont aidé  les musiques électroniques, techno, dubstep dont vous vous régalez aujourd’hui à se construire.

C’est quoi Beat Bang ????  Suivez ce lien   C’est génial !

Shed « The Killer »

Le troisième disque de Rene Pawlowitz aka Shed sort sur Ostgut Ton – le label du Berghain, LE club techno berlinois. Très grosses basses, allusions et même plus à la techno de Detroit dans son aspect le plus industriel, voix lointaines d’outre tombe, de zombie. Un album puissant, massif, obscur, inquiétant.

Dntel « Aimlessness »

Dntel aka Jimmy Tamborello qui est aux programmations entre autres dans Postal Service ou  Bright Eyes. De l’electro quasi ambient par moments qui intègre des craquements de vinyles, des synthés aériens. Il mélange le planant et les beats dance, et même parfois de la dubstep. Un disque qui fait une passerelle entre hier et aujourd’hui.

Tenniscoats « All Aboard !»

Le duo japonais a invité le batteur Takahashi Ikuro à les rejoindre sur cet album. Très bel album d’ailleurs, pop lo-fi mais pas trop, un peu bricolée mais pas trop. Un disque intime, doux, tendre.

Lazer Sword « Memory »

Deuxième album pour le duo de San Francisco. Ils mixent allègrement l’électro, le grime, la dubstep, et la techno de Detroit. Un album très réussi qui sort sur Monkeytown records le label de Modeselektor. Leur 1^er album est classé en rap .

Lone « Galaxy Garden »

Producteur et dj mancunien dont c’est le 2eme album. Un disque dansant, varié, percussif, avec des nappes de claviers. «Good stuff » comme le dit Boomkat.

The Wake « A Light Far Out »

Groupe fondé à Glasgow, en 1981 après leur séparation ils sont  malheureusement tombé dans l’oubli. Depuis 2 ans, ils tentent un retour, dont voici la concrétisation. Un très bel album de chansons pop douces et rêveuses très bien écrites avec en fond un peu d’electro. Si vous aimez the Smiths, les débuts de New Order, The Field Mice…. Foncez !

Herzfeld Orchestra « Midlife Poncho »

Herzfeld Orchestra est une sorte de super groupe puisqu’on y trouve des membres de tous les groupes faisant partie du label français Herzfeld Vergo, c’est à dire pas moins de 17 personnes. Un chouette album de pop synthé- electro douce amère très cohérente. C’est le 2eme opus du Herzfeld Orchestra, il tient bien la route.
A défaut d’un clip du groupe, voilà la présentation du label en général.

 Jam City « Classical Curves »

Le 1^er album du producteur anglais Jack Latham [aka Classical Jam City) est  un condensé de musique électronique à la fois syncopée et  planante, composée de sub-bass et de nappes. Un disque étonnant et imprévisible.

Eugene McGuinness « The Invitation To The Voyage »

Le troisième album d’Eugene. Les 2 premiers étaient prometteurs, et voilà la chrysalide qui devient papillon ! Du groove, des cuivres, des cordes et ce « Shotgun » irrésistible avec un sample de Peter Gun de Henri Mancini. Un album pop luxuriant, brillant !

Bonnes découvertes,

Brigitte

Les présentoirs de la médiathèque regorgent d’albums de toutes époques, origines et styles… De temps en temps, une mise à jour s’impose ! C’est à nous, les médiathécaires, d’assurer que les collections restent attractives et up-to-date. C’est ainsi que nous examinons régulièrement les listes des titres qui n’ont pas été empruntés depuis trop longtemps pour ensuite décider de leur sort. Certains sont envoyés aux archives et restent disponibles à l’emprunt. Quant aux médias dont un exemplaire est déjà présent aux archives, nous les mettons en vente. C’est de là que proviennent les médias que vous, les membres, pouvez acheter. Il reste encore les médias que nous choisissons de garder dans nos collections, ces albums qui ont été occultés par les titres à plus grand succès. Voici quelques albums « coup de cœur » qui gardent leur place dans la collection.

REGGAE

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KR 1170 Mikey Ras Starr, Fire & Rain , Makasound 2008.

Son nom vous est sans doute inconnu, pourtant Mikey Ras Starr (de son vrai nom, Michael Ashley) a participé en tant que bassiste, compositeur et/ou chanteur à de nombreux classiques du reggae. Il a collaboré entre autres avec King Tubby, Bob Marley ou Les Aggravators. Ras Starr était un ami très proche de Peter Tosh ; on remarque d’ailleurs une similitude quant aux techniques vocales. Comme d’habitude, le label parisien Makasound a déterré des enregistrements vintage très intéressants : Mikey Ras Starr avait composé et interprété ces quelques morceaux entre 1975 et 1984. C’est du roots très spirituel avec des petites touches funky, notamment le jeu de clavier sur Got to Say Love.

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SOUL
KB5200 Bob & Gene, If This World Were Mine, Daptone 2006
Ces deux adolescents ont sorti quelques singles et sont devenus des célébrités dans leur région de Buffalo dans l’état de New York à la fin des années 60. L’un d’eux, Bob, a ensuite collaboré avec Rick James et est devenu auteur-compositeur pour Motown. Le label de Gabriel Roth, Daptone, a assemblé quelques morceaux en une anthologie exquise. Les harmonies vocales sont très riches ; à 16 ans déjà, ces deux jeunes hommes maîtrisaient la composition et le chant. Ce sont surtout des chansons d’amour post-doo wop. On peut également y entendre quelques morceaux traitant d’un espoir de voir un jour un monde meilleur.
HIP HOP
KB3380 Big Boi, Sir Luscious Left Foot…The Son of Chico Dusty, Def Jam 2010

Antwan Patton, alias Big Boi, est « l’autre » membre d’Outkast. Moins voyant que son acolyte Andre 3000, il n’est certainement pas moins créatif que lui (on a déjà eu un avant-goût du potentiel solo de Big Boi sur le CD Speakerboxx du double album d’Outkast en 2003). Sur Sir Luscious…, Big Boi utilise une grande variété de samples : musique classique, du dubstep et même du rock. La musique est funky et dansante grâce à ses talents de producteur que Big Boi a pu perfectionner au fil des années. Les textes sont très vivants et pleins d’esprit ; le flow de Big Boi bourdonne et rebondit entre les beats.

FUNK

KE7580 Nilo Espinosa, Shaken, Not Stirred, Vampisoul 2007

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Il s’agit d’une anthologie dans laquelle sont rassemblés quelques-uns des projets musicaux du flûtiste-saxophoniste péruvien Nilo Espinosa. On peut entendre le meilleur travail de ce musicien d’exception sur des morceaux des années 60 et 70. Un festin de multiples déclinaisons de latin funk : des touches de rumba, de salsa et de latin jazz. Les arrangements sont lisses, fluides et parsemés de breaks de percussions étonnants. Du début à la fin, ce disque est un régal.

GOSPEL
KW6633, Marion Williams, Remember Me, Shanachie, 2005

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Membre des Clara Ward Singers, Marion Williams est une légende du gospel. Son registre vocal de quatre octaves, sa polyvalence et son sens du spectacle ont rapidement fait d’elle la star du groupe ; Plus tard, elle connaîtra un succès plus important dans sa carrière solo. Son public était charmé par son sens du spectacle de style « clowning », puisé dans les traditions du gospel et du vaudeville américain. Avec un sens aigu pour les structures musicales, Marion Williams tirait le meilleur parti de son registre vocal aux quatre octaves (on l’a d’ailleurs souvent comparée à Maria Callas). Alors d’autres chanteurs de gospel découpent les mots en unités musicales discrètes (par exemple, ex-am-ple) Marion Williams pousse cette fragmentation plus loin encore et faisait ainsi correspondre son mélisme à la rythmique (e-e-g-z-a-a-m-p-l-e). Sur ce disque nous pouvons entendre les plus belles performances de cette chanteuse qui a inspiré des artistes tels que Little Richard et Aretha Franklin.

A bientôt!

Emina